想把自己包裹在一个全是线线线线线线的世界

小刘

2022-06-25 10:23:00

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多伦多艺术家 Amanda McCavour 的作品“Ode to a Prairie”(草原颂),正在美国威斯康星大学麦迪逊分校的查森艺术博物馆展出。三层高的中央大厅中,450株各式各样的植物被绣在透明的网纱上随风飘动。谈到为何将草原搬到室内空间,Amanda 表示在各类城市建筑尚未拔地而起之前,该地区也曾被丰富的植被覆盖过。


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© Amanda McCavour


Amanda 用这些密密麻麻的织线将大自然编织起来,映现昨日的世界,还原出她眼里的“柔软空间”。事实上,许多艺术家都曾尝试将大自然中流动的、转瞬即逝的一切缝制编织,为我们打造出模糊虚实的幻境。


01

水母,我的心灵庇护所

Sayuri Sasaki Hemann


由于父亲工作的关系,艺术家 Sayuri Sasaki Hemann 从小便在日本、澳大利亚、罗马尼亚三国间辗转。频繁的搬家使 Sayuri 常常需要应对陌生的语言和环境,这段特殊的童年生活经历,让她一直对描摹“漂泊不定”的情绪深深着迷。后来,通过手工创作,她逐渐找到了属于自己的心灵庇护所。2012年,以“Urban Aquarium”(城市水族馆)为项目名称,她让本该生活在深海中的水母,出现在了人来人往的波特兰机场。


Sayuri 并未在海边生活过,但大海的神秘却吸引着她阅读各种各样的相关书籍。大学毕业后在日本工作的第三年,她在水族馆里第一次见到了水母。隔着宽阔的玻璃柜,在各色灯光的变化下,水母缓慢地游动着,仿佛正置身于一个远离人世的真空世界。Sayuri 一下子在水母身上看到了自己的身影,因此她决定要一针一线地还原出此情此景。


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© Sayuri Sasaki Hemann


在“Urban Aquarium”这一作品中,Sayuri 打造了十二米长的玻璃柜,400多只形色各异的水母或密集或零星地分布在其中。每一只水母都由 Sayuri 亲手织成,她特意选择半透明的欧根纱材质,让水母能在光线与风的配合作用下,显得更加灵动轻盈。“天空水母”体内的色彩蓝白交融,就好像海天相交处的天际线;而拥有蓝色伞盖、绿色触须的水母被她命名为“仲夏夜之梦”,长达30cm的细碎触须,让它游过的地方会闪现出金光。


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© Sayuri Sasaki Hemann


“电子苔藓水母”能依据颜色深浅不一的苔藓变换不同的颜色;名为“月光游行”的水母虽然看上去只是一片纯白,但在游动时身体还会闪耀着淡淡的七彩光芒;而当每天日落时,“日落水母”则会通过发光来吸引心仪的对象,完成繁殖。在 Sayuri 的“水母世界”里,每一个漂泊的水母都在散发着独特的光芒。


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© Sayuri Sasaki Hemann


02

流动的花园

Amanda McCavour


多伦多艺术家 Amanda McCavour 创作的大部分作品都是色彩缤纷的纺织植物花卉。她原本是在艺术学院研读纤维和材料专业,在读期间,她突然想到如果制作一幅不太常规的刺绣画可能会很有趣,“我一直喜欢事物分崩离析的状态,我认为这就是为什么我喜欢使用棉线编织作品的原因。”因此,她选择在可溶性布料上绘制图案,打造出一个个梦幻柔软的“流动花园”。


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© Amanda McCavour


棉线脆弱,可被轻易解开,但当它们被缝合在一起时却具有牢不可破的力量,这让 Amanda 深深为这种材质着迷。她会亲手缝制每个大大小小的作品,为了呈现更符合原意的作品,她往往还会花数周时间,在展览现场一点点地调整每一条线的高度。一般这类作品展出时会不允许观众触碰,但 Amanda 特意在作品中设计一条走道,让观众置身其中去抚摸、感受这些精巧的花朵。


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© Amanda McCavour


提到最喜欢的颜色,Amanda 表示那一定是蓝色。在丽贝卡·索尔尼特的自传散文集《迷失实地指南》中,她曾这样写道,“世界的边缘是蓝色的,蓝色是一种被丢失的光。光谱中蓝色的光并不会直接从太阳到达地球,它分散在空气中的分子中,分散在水中。蓝色是一种孤独和渴望的颜色,存在于你不存在的地方,还有那些你永远不能去的地方。”受丽贝卡的影响,Amanda 创作了作品“Far Away Blue Fields”,一片仅由蓝色的花朵和蝴蝶构成的蓝色田野。


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© Amanda McCavour


03

圈圈圆圆圈圈

Mariko Kusumoto


艺术家 Mariko Kusumoto 一直以制作工艺精细、介于多宝格和活动小剧场之间的金属盒子闻名。由于父亲是一位僧侣,Mariko 从小在一座有着四百多年历史的寺庙长大。


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© Mariko Kusumoto


小时候常常擦拭的金属贡器给她留下了深刻的印象,此后她接连在东京武藏野美术学院以及旧金山艺术学院版画专业完成学业。在接触了迥异的东西方文化之后, Mariko 有了开阔的艺术视野,“对我来说不同艺术类别之间没有边界。”2013年,她将目光转向了完全与金属完全相反的材料——聚酯纤维。


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© Mariko Kusumoto


虽然“布料”这个词听起来很简单,使用范围也十分广泛,但不同特点的布料的确会给人带来不同的情绪感受:有些是冰冰凉凉的潮湿感,有些让人感到柔软舒适,有些具有安抚人心的静谧感,有些摸起来很脆弱……通过热塑技术,Mariko 将一切她好奇的“材料”固定起来,并在外加上一层十分梦幻空灵的气泡,看起来就像是如梦如幻的珊瑚礁丛。


04

串珠海洋

Liza Lou


提到纽约艺术家 Liza Lou,最让人印象深刻的莫过于全部用玻璃珠串成的15m²的《厨房》。这件作品创作于1991年,当时在旧金山艺术学院就读的 Liza 意外发现一家串珠店,开启了她灵感的大门。在既定印象中,玻璃珠代表着美丽、琐碎以及装饰意味,这与传统思维中给女性贴上的刻板标签十分相似,而女性所身处的厨房也同样如此。


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© Liza Lou


当时 Liza 计划仅在三个月内就完成这件作品,但真正实施起来耗费了5年时间。这期间,她通过做服务员的工作维持生计。作品完成后络绎不绝的参观人群,标志着当时25岁的她成功地成为了知名艺术家,这件作品如今被惠特尼博物馆永久收藏。之后,Liza 发现了拥有悠久串珠历史的南非祖鲁族妇女。她于2005年在此创立工作室直到2015年才返回美国,如今也一直与当地妇女保持合作。


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© Liza Lou


回国后的 Liza 开始沉静下来思考人类与自然的关系。2016年的作品“The Wave”中,她通过串联大量同色系的珠子,还原了一片片闪耀着或深蓝、或黝黑、或银白色的正方形海洋。2015至2018三年时间,她还创作了大量与云层天气相关的作品,灵感来源于她对天空中的云总是变幻莫测的观察。


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© Liza Lou


Liza 创作出来的每片云都不尽相同:一系列火积云像宇宙星云一样,互相晕染;絮状云被小块的白色颜料覆盖,从缝隙间透射出明亮的光;雨后的晴天是大片的白色中透出一条浅浅的蓝色……


虽然这样的作品看上去简单,但完成串珠作品其实需要耗费大量心力。而 Liza 在近几年来,会用锤子将原本串好的珠子画布凿碎,或是直接在上面涂抹颜料,将其破坏掉,“因为当某件事不断出现你眼前时,我们会忽略它的重要之处,停止欣赏它。把它敲碎是另一种唤起人们尊重它的方式。”


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© Liza Lou


来源:小刘 NOWNESS现在

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