"疫情没有国界，世界各国是休戚与共的命运共同体。"
当前，新冠肺炎疫情在全球持续蔓延，韩国、伊朗以及欧盟多国遭遇疫情防控的严峻挑战。近日，习近平主席就新冠肺炎疫情向各国致慰问电。在中国抗疫的关键时期，中国得到来自各方的宝贵支持。值此苦难时刻，中国政府与人民将与世界各国政府与人民：
守望相助、同舟共济！
携手抗疫、命运与共！
感谢所有为抗击疫情作出贡献的人！
中国加油！世界加油！
为加强疫情防控工作，教育部发布了延期开学通知。舞蹈剧场积极响应北京舞蹈学院关于新型肺炎疫情期间“停课不停学”的教学工作方案，精选创刊以来《舞蹈剧场DT》杂志多篇文章，汇总“窝家读DT”系列，陪伴大家度过这个特殊的假期。希望这些优质的文章能成为同学们假期学习的好材料；也能为更多喜爱舞蹈的朋友们普及专业舞蹈知识。
在此，我们特意选出关于世界当代著名舞蹈艺术家的若干文章，一起来读懂他们如何通过艺术来表达内心中的那份真挚的人文关怀。
这个特殊的假期，让我们为祖国加油，为自己充电！
文章摘选自
《舞蹈剧场DT》杂志NO.2
沈 伟：
我渴望成为这个时代的引领者
SHEN Wei: I Long to Become the
Leader of this Era
文ariticle-沈 伟、杨惠迪
图片提供Picture — 沈伟现代舞团
本期作者
沈 伟
著名编舞家、视觉艺术家、导演
他曾被《华盛顿时报》誉为“我们时代最伟大的艺术家之一”。他是曾包揽有舞蹈界“奥斯卡”之称的“尼金斯基奖”和美国创造性人才最高奖“麦克阿瑟天才 奖”的编导大师。在他的舞蹈中，跨界的艺术元素并非简单叠加出的昂贵，而是深入掌握各艺术元素，并使其各特征以最佳的，自然的，平衡的，强有力的方式呈现出来。一直以来，他致力于探索时代下的身体可能性与超越美学界限的艺 术哲思。2016年11月14日，沈伟做客舞蹈剧场，现场讲述自己的舞蹈思想，让我们一起跟随《舞蹈剧场》走近沈伟，去感受他那涌动不息的艺术世界。
创作，就是创作未存在的事物
所谓创作，我更愿把它们当作一场场实验，成功与否都不会影响我去尽兴触碰更多的“未知”。我常说，“创作，是创作未存在的事物”，越难越无人尝试的领域，反而越能激发我的兴趣。
我不认为某一部作品可以代表我（或者每个作品都代表我成分的一部分），毕竟每部作品都是我对这个世界事物的不同时期的不同感知。
摄影:Christopher Duggan
＞沈伟作品《声希》“Folding”，在造型和视觉等表现形式上，《声希》是在东西方文化空间上的一种新的发展和交融而有着非常东方文化内涵。它极为考验舞者对身体的控制力以及细腻状态的把握，每一瞬都要有画面感。再就是对时间的理解沈伟要求舞者放慢呼吸，将身体运动的细节放到最慢处理，像是心跳停止，予人时间停顿的错觉。很多编舞者常不分主次地使用“加法”,把什么都堆到舞台上，这样反倒消弱了舞蹈作品本身。
这些年西方文化在给我补给的同时，我对中国传统文化的理解也随之加深。东西方文化特质的交融也激发了我很多的创作灵感。熟悉我作品的人可以理解，《声希》与《天梯》有着很多相同的美学特质。有人将这些美学特质形容为“超现实主义”，诚然，当时的我的确迷恋于“超现实主义”的画作，但我认为这显然与传统意义上的超现实不同，因为它们是源自于不同角度的出发点和创作灵 感。在作品《声希》中无论是裙子的扭曲褶皱，还是舞蹈的造型感，很多审美趣味源于中国园林艺术峰峦圆浑的山石。我着迷于园林中石头天然的褶皱和造型，它们透露出一种东方文化的审美和趣味，而《天梯》则透露出一些西方文化中的审美意识和造型。
我一直追求作品可以带给观众感官上更多元的沟通和思维领域的一些挑战，于是也尝试将舞蹈延伸到更多的艺术表现形式。后来相继也就有了：与世界经典剧目对话的《春之祭》、探讨运动关系与视觉和音乐等元素的《连接转换》、挖掘动作可能性的《地图》，发展中国传统文化的京剧《二进宫》、以及将传统文化与现代意识相结合的北京奥运会开幕式中的《画卷》等等。
摄影:Christopher Duggan
＞沈伟作品《春之祭》，很多人都试图按部就班地解读这部作品，以叙事性较强的舞剧，来表现或夸大人物的身体、心理上的创伤。沈伟却并没有从表面图解“春”和“祭”,而是对一部被过度阐释的现代主义经典做重新解构。《春之祭》中，沈伟选择剔除情感和叙事，从音乐本身出发，从动作质感的变化，通过时间快慢、空间位移、力度强弱，舞者动作之间的关系彰显一种纯动作的质感。
10年前，我开始跨越传统舞蹈的舞台界限，运用电影，投影、声音、装置，环境，视觉，绘画，歌剧等艺术语汇对舞蹈做进一步拓展。从那时起，人们开始用“整体艺术”来形容我的创作。
从07年起，我开始尝试在博物馆中进行实景表演。即使像规格严谨的大都会博物馆，在听说我的表现形式后，竟专门建立一个新的部门促成此事。也便有了大都会博物馆有史以来的首次实景装置表演。对我而言，那次穿梭于世界级瑰宝的表演是一场奇妙无比的体验。我也不在意别人称呼我为“视觉艺术家”。
我觉得编导的创作理念是时代的缩影。我们的创作不应该是套用既定的结构，而是要让世界在新文明进步中看到新的框架和走在时代前面。
也有人还更喜欢我早期的作品《声希》，但我不能停留在那个时期，我将继续认识世界和不断丰富自己。在我看来，所有的传统都是从“超越当下”走来的，我渴望成为这个时代的引领者。
＞沈伟作品《分与合》“Undivided divided”
摄影：Zoe Liu
植根传统文化的再创造
我认为，我的艺术创造无论看起来如何前卫与先锋，但很多灵感都源于传统文化。
我是伴随着传统文化成长的，可以说一直不断努力用绵延的生命去参透中国传 统艺术的精髓。面对传统文化我有着不同寻常的感情，这是种超乎“熏陶”的影响，在我的作品中时常会看到中国元素的影子，在创作《声希》或者《二进宫》时我也绝不照搬传统原有的形式，而是深入了解和掌握它的灵魂和精髓，研究文化蕴藏的运动轨迹以及审美品味和哲学观念，再现其内涵与韵味及它的价值观。
艺术学习是一种分解吸收的过程，并使之融入血液与脉搏中流淌。我做《二进宫》，本意很简单，就是想把中国传统文化通过发展再融入当今国际文化中去， 并带到西方的舞台。这部作品的特别之处是在保留京剧演唱的韵味同时又融入到西方歌剧中去并相应的表现出来。同时让抽象的现代舞动作去衬托京剧演唱韵律与音乐感，去传达东方独特的审美价值。创作中要非常小心，要创造出文化 在碰撞中的提升，而非文化符号的拼接。《二进宫》的创作，我除了承担导演和编舞外，也设计服装布景和道具。把握整体和融入我个人的审美意识，也是基于我对中国传统文化与审美意识理解下的再创造。我不想用成功与否来评价这样的一部作品，我只是用自己的态度去追寻发展东方文化的艺术价值和表现形式。
＞沈伟作品《地图》“Map”
摄影:Christopher Duggan
中国传统舞蹈的身体语言所传递出来的运动力是非常令人着迷的，动作的起承转合之中流淌的是中国艺术语言的文化魅力。我研究中国传统文化，研究戏曲中的舞蹈韵律、运动方式、审美追求。无论是呼吸的运用，还是“圆”为核心的身体运动走向都给了我很多的启发。看过我作品的中国观众往往会发现许多他们熟悉的动作影子，如圆场、小五花、云手等等，但我其实并不是把它们看做既定的动作概念，这只是身体运动中的一种表达方式。我希望大家可以发现圆场与小五花这些动作被撕掉中国传统舞蹈语汇标签后的解构并不突兀，与西方现代舞的动律流转交融。所有为之服务的就是突出肢体。淡化东西方美学差异后，流露的是我在这个时代下对与人类身体探求的唯一立意。
我的作品《地图》就是希望挖掘出当今21世纪现代人对身体运动的新认识和极尽全力的探索肢体的信息。
＞沈伟作品《声希》“Folding”
摄影:Christopher Duggan
东西方艺术文明之所以成为人们趋之若鹫的灵感宝库，是因为其本身散发的美。我坚信传统文化有着无穷的创作语言，中国文化精神的发展和传承需要我们 对传统文化进行深入的掌握和理解，而不是建立在外在形式上的模仿和拼凑。
艺术修养
个人的艺术修养往往决定编导的表现形式及内涵和创作作品的方向。在我看来，不管是传统艺术还是现代艺术，不管是东方还是西方艺术，也不管艺术门类的不同，我们都应该有深入且全方位的认识，尽量使自己成为一个有智慧的创造者。
虽然我现在是以创作现代舞为主，我却是6岁开始学中国传统国画和书法，9岁开始了11年的中国传统戏曲的学习和对中国古典文化的掌握。后来开始学习西方文化，包括古典绘画、芭蕾、音乐和歌剧。记得我11岁时，我曾把舞蹈动作画下来，并写了关于保护传统戏曲扇子舞步的册子。后来西方油画也成了我挚爱之一，在我16岁时也曾把最喜欢的戏曲元素融入油画创作中。可以说，多年的艺术积淀帮助我构建了超越艺术边界的多元审美。
＞沈伟作品《春之祭》
摄影：Christopher Duggan
1995年，我离开广州现代舞团，取得全额奖学金只身去了纽约。初到纽约，我像一团掉入水里的海绵，拼命地吮吸新鲜的艺术养分。我每天去博物馆、看演出、上不同的课和做自己的艺术实验。只要是不懂的我就去学，后来艺术的感觉也就提高了不少，也发现了不同艺术的共同奥妙。
刚去纽约时我对抽象画并不感兴趣，后来却发现那些色彩、线条看似没有章法，实则构图、审美都非常讲究，而如今抽象艺术的表现风格已经存在于我的很多创作作品中。
＞沈伟作品《地图》“Map”
摄影：Briana Blasko
我觉得舞蹈教育不能太单一，舞者除了舞蹈训练以外还要提高其他艺术修养。 如果是做为一个舞蹈创作编导，那在各方面的修养就要掌握的更好。其中音乐和视觉艺术可能会对舞蹈创作起到更多直接的影响。我在创作过程中，为了把握作品的整体风格和衬托舞蹈艺术，常常自己设计服装、道具、灯光，这样可能以让舞美效果与动作质感协调地体现出我的创作理念，当然我要对这些知识非常了解才行。比如《声希》的服装，裙子是一块没有任何裁剪的布，极佳的舞台效果关键就在于如何折叠与缠绕从而衬托舞蹈动作。在以舞蹈为中心的同时 如何让舞美效果也融合到我的世界观里，我是从不怠慢的。
我希望捕捉和聚焦转移的自然瞬间
如果说，多样的艺术养分成就了我的审美品位与艺术眼光。那么舞动的肢体则是我最钟爱的艺术语言与灵感缪斯。
从心跳的微颤到腾空的跳跃，身体可以由内而外的显露出不同质感的运动痕迹。
我认为舞蹈艺术在未来会变得更重要，因为现代社会越来越冷漠，人们缺少肉体与灵魂的触碰。而现代文化需要用身体去表现它和发展它的自由，这将是一 种有别于传统和不断发展的艺术形式。
＞沈伟在舞台排练工作中
关于原创和找到自己，我在编创《声希》时，那些不属于我的动作，即使我掌握的再纯熟我也都弃之不用。只用我自己创作出来的动作，哪怕只有零星几个，但却是属于我的艺术语言。虽然现在看来这部作品的动作语汇有它的局限之处，但我仍觉得《声希》的编创是我最大的突破，也是从这部作品，我开始探寻属于我自己的动作语汇，并一步步形成和发展自己的“身体自然发展”的舞蹈运动技术体系。
我崇尚运用舞蹈本身的张力来表达内涵。很多传统的舞蹈运动方式(特别是芭蕾)是对抗自然，在我看来有时很不舒服，如果能够顺应自然，跟随惯性的运动，感觉就会自然舒服许多，我希望能够捕捉自然的运动感。
＞沈伟作品《声希》“Folding"
摄影：Christopher Duggan
东方艺术对我的影响远不止审美上，东方人对身体认识的结晶，如用气、呼吸、 用内力、用圆……这种东方哲学影响下的身体运动方式、哲学观对我有着很大的启发。我非常注重在训练中去感知人体自身的原动力，讲究发力的流畅连贯。以这种自然的运动方式去探寻与宇宙万物的联结，可产生出不同的运动质感，发展新的语言也将打开新的感官空间。
我舞团里的演员如果考入后都需要花一到两年来学习我的技术体系才可登台， 哪怕他们已是经验丰富的演员，哪怕是别的团的主要演员也无一例外。这是一个重新去认识、解放身体的必经过程，也是让舞者的肢体拥有更多质感的过程，也是我对舞蹈的坚持。
＞ 沈伟作品《天梯》“Near the Terrace”
摄影：Stephanie Berger
目光注视着完美的纯净
无论是初到美国默默无闻的彼时，还是如今拥有 很多关注的此刻，我仍觉得编创是件很难的事 情，要跟所有人一样面对音乐、主题、动作等等方 面的问题。对于成功，我看得很淡。也不把成功作 为终点。
我仍醉心于舞蹈发展所提供的更多的自由空间，仍 渴望挖掘身体的无限可能，仍期待自已可以用更多 富有质感与张力的作品与观众对话，仍热衷于让 更多的观众看到舞蹈中身体所传达无穷的信息。
>沈伟作品《声希》“Folding”
摄影:Christopher Duggan
我之所以仍活跃于编创，不是因为贪图成功的滋 味，而是享受艺术家的生活方式。我的快乐源于创 作，让我得以在喧嚣的现世，目光仍注视着完美的 纯净。
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