摘  要：“第四届当代陶瓷艺术展览”呈现了中国青年陶艺创作的蓬勃活力。本文认为，展览的核心成就在于三重解放：工艺谱系从规范走向语言；材料边界从天然走向文化转译；烧成意志赋予作品以火的诗学。最终，这一切指向个体意义的解放，即泥、火与人情感的共舞。展览表明，陶瓷艺术正以其与生俱来的自我更新力量，成为一种亲切而朴实的、属于这个时代的“中国·CHINA”艺术表达。

关键词：第四届当代陶瓷艺术展；材料语言；青年陶艺；个体性表达

在人类文明史上，陶瓷是极少数能够贯通物质技术、审美意识、日常生活与精神信仰的综合性艺术门类。它是人类最早的人工合成材料——从泥土中通过水的调和、火的煅烧，使松散的粉末变为坚硬的器物，这一过程本身就是人类智慧对自然物质的最初改造。它也是持续最久、分布最广、变异最丰富的造物实践，从未因时间流逝而被淘汰，反而在每个时代都焕发出新的形态与新的活力。

近年来，中国当代陶瓷艺术呈现出极为多元的创作风貌。这种多元并非风格的游移不定，而是文化交流日益深入后，不同文化脉络依托陶瓷这一古老媒介所自然流露出的独特表达与视觉体验。我们身处信息高速流转、观念不断交锋与融合的时代，这种文化语境渗透进每一位陶艺人的创作全过程，体现在艺术家与文化、环境、黏土、窑火的深度碰撞与多元交汇之中。一大批青年陶艺创作者投身这片古老而充满未知可能的领域，在看似已被前人穷尽的工艺技法与表现形式中另辟蹊径，找到契合自身的艺术表达视角，形成独属于这个时代的创作认知，实现了对个体创作意义的重新诠释、尊重与多元拓展。

2026年4月，由中国美术家协会与山东省文化和旅游厅联合主办的“第四届当代陶瓷艺术展览”从1400余件应征作品中精心遴选出200多件作品入展。作品地域覆盖范围极广，成为本届大展的显著特色之一。许多受过高等专业教育的青年陶艺家成为展览的主体，诸多传统陶瓷产区也打破了创作模式固化、创新乏力的刻板印象，不断涌现出令人惊喜的新颖手法与艺术实践，展现出当代中国陶艺家与时俱进的蓬勃活力。

一、陶瓷工艺谱系的再构：

从规范到语言的解放

世界上没有任何一种艺术形式如陶瓷般与人类文明的发展和生活品质息息相关，它提升着我们的审美，对技术有极高要求，也因此受到广泛尊重。

陶瓷艺术的根基在于“工艺”——一系列经由双手与材料反复对话而形成的技术体系。本届展览最直观的成果在于其在工艺层面展现出前所未有的多样性，每一种传统工艺，都在当代创作者的手中获得了全新的生命。

黄山《文明·一带一路》陶瓷 

74cm×95cm，57cm×95.5cm 2024年

王莹《不可见者的缺席》紫砂 

140cm×10cm×65cm 2026年

丁传国《迁徙—故园》高温颜色釉 

40cm×150cm 2025年

刘翔宇《如焰》熏烧陶瓷、石膏 

130cm×30cm×35cm 2025年

拉坯是最古老、最核心的成型方式之一。在传统语境中，拉坯服务于圆器的批量生产，讲究规整、对称与效率。而在本届展览中，拉坯作品发生了深刻的“去功能化”转向，旋转在双手的引导下呈现出可自由生长的生命状态，开口容器被封闭成“实体”，光滑表层转向粗犷的肌理，并呈现出褶皱与孔洞；精致的口沿被刻意改变，起伏与波动形成了打破完美与对称的律动；温润细腻的瓷土表面被施加刮削、戳印、叠加等手法，使物象呈现出类似风化、侵蚀或生长的自然痕迹。这些拉坯成型的作品不再承担碗、盘、瓶、罐的日用功能，而成为纯粹的空间塑造——它们容纳的是空气、光影与凝视者的想象。

绞泥工艺（绞胎、揉泥拼色）是另一项被重新激活的传统技艺。其原理是将不同颜色的泥料有秩序地叠合、揉捏、切片或拉坯，使胎体内部形成流动的纹理。传统绞胎多用于制作仿木纹、仿石纹的装饰效果，本届展览中的年轻创作者将这一工艺推向了更抽象、更具表现性的领域：红、黑、白、灰等色泥在作品中交织出类似地质剖面或能量场的视觉图景，纹理由内而外贯穿胎体，使“表面”与“内部”的二元对立消失——作品的气质不再是容器“被装饰”，而是“生成的整体”。

王国栋《新潇湘卧游图》陶、木、竹、铁 

150cm×80cm×120cm 2025年

胡森《春和景明》钧釉 

150cm×150cm×150cm 2025年

余佳祯《一纸之度》瓷 

100cm×50cm×50cm 2025年

捏塑与塑造则是陶瓷雕塑的基础语言。捏塑更贴近手指的直接触感——艺术家从一块泥开始，通过拇指与食指的配合，逐步挤压、提拉、弯折，形态在掌心中生长出来，每一个凹坑与凸起都记录着创作瞬间的力量与情绪。本届展览中的捏塑作品既有小尺度的、近乎把玩件的人物与动物，也有由多个捏塑单元组合而成的大型装置。塑造则更强调体块的加减与结构的推敲，艺术家使用泥条盘筑、泥板粘接、镂空雕琢等方式构建出更为复杂、更具视觉冲击力的全新形态。

展览中的动态陶艺、影像互动、3D打印技术、复杂建模合成、综合材料应用，每一种创作方式的拓展，都是艺术家对传统陶瓷艺术在今天的一次个人化的延伸与再造。拉坯不再是重复，绞泥不再是装饰，捏塑不再是手艺人的生产方式，模具的使用不再是为了一致，它们共同构成了当代陶艺的基本语法，使工艺从“如何做得好”的技术问题，升华为“为什么要这样做”与“技术可以有情感吗”的观念追问。

二、材料的边界与拓展：

从天然到文化的转译

材料是陶瓷艺术的第一语言。不同的泥土携带着不同的地质记忆与烧成性格，当代艺术家对材料的选择与混合，已经远远超出了传统“瓷土”“陶土”的二元划分。

支持《好运莲莲》瓷 

30cm×30cm×60cm 2025年

黄焕义《卷的形式》瓷、金属材料

 75cm×30cm×40cm 2023年

瓷泥以高岭土为代表，因其洁白细腻、烧结致密而成为烧制精致陶瓷的首选。本届展览中的瓷泥作品不再局限于传统的经典样式，而是出现了大量保留手工痕迹、刻意制造裂纹与变形的“不完美”瓷作——艺术家在挑战瓷泥的极限可塑性，将一种以“精致”为传统的材料推向粗粝与偶然，推向天真与自由。这种改变，不是对传统的颠覆，而是在传统基础上的“丰富与叠加”。

陶泥因其可塑性高、烧结温度较低、质感朴拙而受到许多创作者的偏爱。紫砂的深沉含蓄适合塑造富有文人气的雕塑，黑陶的墨色质感在哑光与亮光之间可以产生丰富的灰度层次，粗陶烧成后表面粗糙，直接呈现出一种“大地的温朴”。青泥之灰更是农耕生命气息的直接体现。本次展览似乎成了中国陶艺人得天独厚的陶土资源的一次集中汇聚与展示。

杜沁芬《微观融合（融枢、圆融）》

陶、紫砂、泥 100cm×60cm×93cm 2025年

巩丽阳《果炻》绞胎陶瓷 

130cm×45cm×65cm 2025年

纸浆泥的广泛使用是本届展览的一大亮点。纸浆泥是在陶泥或瓷泥中掺入纸纤维（宣纸、报纸或木浆）后混合而成的材料。纸纤维在干燥过程中形成微孔网络，使坯体重量大幅减轻，同时保留了良好的可塑性。烧成后，纸纤维燃尽留下大量微细孔隙，使作品呈现类似海绵或浮岩的质感，透气性极佳。纸浆泥的引入使得大尺寸空心作品得以实现而不过于笨重，也使那些追求“轻盈感”的形体表达成为可能。

黑陶同样在本次展览中焕发新生。黑陶源于新石器时代龙山文化的蛋壳黑陶，其薄如蛋壳、漆黑发亮的工艺曾经失传数千年。当代创作者在黑陶制作中不仅恢复了传统技法，更将其与刮削、打磨、镶嵌等现代手法结合，创造出既有远古气息又具当代感的作品。

欧阳普龙《春暖花开》红陶 

38cm×35cm×58cm 2025年

金亮 佟济宏《环璧玲珑》瓷、改性环氧树脂、

镜面不锈钢 125cm×35cm×125cm 2025年

综合材料在陶艺创作上也富有成效。艺术家将陶瓷与金属、木材、玻璃、纤维、油漆、现成品等并置或复合，使陶瓷不再是孤立的媒材，而成为跨媒介叙事中的主要声部。更有创作者直接将纤维织物、海绵、高温膨胀材料等蘸泥浆后入窑烧成，使作品具有超写实的乱真效果。材料与反材料成为问题与答案。

对材料的解放意味着对思想的解放。当创作者不再受制于“只有黏土才能做陶瓷”或“什么样的泥才适合做陶瓷”的传统认知，陶瓷便从“制器”的限定中解放为“媒介”——一个能够承载无限观念与想象的泥与火的空间。每一种泥料的选择、每一次配方的调整、每一次的创造，都是创作者个体判断与地域文化记忆的双重投射与改变。

黄海红《无尽藏系列3》熏烧陶瓷

70cm×7cm×133cm 2025年

桂明 谭练《飞扬的毛线》陶瓷、塑钢泥 

120cm×30cm×106cm 2026年

三、烧成的意志：

火的浪漫诗学

如果说材料是陶瓷的肉身，那么烧成便是陶瓷的灵魂赋予者。同样的泥坯，在不同的窑炉、不同的升温曲线、不同的气氛条件下，会呈现出截然不同的面貌。本届展览在烧成工艺上展现了柴窑、气窑、电窑以及多种混合烧成方式的并存与对话，将当代陶艺的创作从以形态为主转向对不同工艺环节的全维度实践，这是属于陶艺创作最本体方式的追问。

包伟《流动的痕迹》陶泥、金属氧化物、有机物 

58cm×26cm×62cm 2023年

喻中魁《泥纹系列2》陶瓷漆、金箔

60cm×60cm×23cm 2025年

柴窑烧制是最古老的烧成方式，以松木等薪柴为燃料。在柴烧过程中，火焰直接舔舐坯体，木灰落于表面形成自然釉（灰釉），气流的不均匀性导致色彩变化丰富。柴烧作品往往带有火痕、流釉、窑变等偶然效果，每一件都是火与土在不可控条件下的伟大拥抱。柴烧方式在陶艺创作中的兴盛呈现了陶艺家更欣赏柴烧釉色的温暖、动感与不可控的偶然性。尤其值得强调的是，熏烧与复合烧成被艺术家重视并成为创作手段，诞生了不少值得关注的优秀作品。

陶艺，是让我们能安静地、近距离地观察火的生命与色彩的艺术形式。在今天艺术越来越可控的情况下，火成为陶艺家及其作品所保留的最后一重想象与自由的空间。

四、个体意义的解放：

泥、火与人的情感共舞

陶瓷艺术的朴素媒介特性与成型工艺的缓慢及体量的局限，使其天然地游离于宏大叙事与主题创作之外。创作者在与泥、水、火的对话中，必须经历长时间的沉浸、触摸、等待——这一过程本身就是内省、冥想与适应的过程。它要求艺术家回归自身的感知与情感，而非对外部话题的快速回应。陶瓷艺术从诞生起就天然地与生活和意象表达息息相关，本次展览最让人惊艳的是200多件陶瓷作品拥有了巨大的丰富性——表达主题的丰富性、创作手法的丰富性、材料与烧成的丰富性、展陈方式的丰富性……这是今天中国陶艺人内心情感的丰富性与创新能力的卓越性最了不起的明证。

徐雯婷《海上丝路的起点》陶瓷 

150cm×100cm×150cm 2025年

王卓《星辰下的梦》陶瓷 

116cm×18cm×116cm 2024年

本届展览上令人瞩目的亮点，莫过于“青年伙伴计划——中国陶瓷100”培训计划所带来的丰硕创作成果。为推动全国青年陶艺人才成长，中国文联、中国美术家协会精心策划并实施了这一专项培训项目，面向全国遴选具备扎实艺术素养与一定创作成就的青年创作者——他们已然是各地陶艺创作的中坚力量。通过汇聚全国重要师资与专家开展系统培训，这批青年艺术家的创作能力实现了显著提升，充分印证了这一培养模式的有效性与可行性。本次展览中，源自“陶瓷100”培训计划的入展作品，在艺术观念的深度、艺术语言的成熟度等层面，均展现出极强的艺术感染力与思想冲击力。

本届入展作品整体具备较高的艺术水准，体现了陶瓷艺术独有的审美与创作规律，构建起属于陶瓷艺术本体的语言体系。这种集体性的艺术自觉与坚守令人动容。展览中的陶瓷绘画作品，摆脱了对水墨、油画艺术语言的简单模仿；形态塑造类作品，也跳出了单一借鉴雕塑表现手法的局限。作品既在艺术观念、工艺技法、外在形式上与传统陶艺形成鲜明区隔，又与陶瓷艺术的文化传统与内在精神气质深度契合、一脉相承。观展如同开启一场既熟悉又陌生的艺术之旅。

亢云姝《虚室》陶 

125cm×5cm×55cm 2026年

孟胡蝶《器象涅槃》陶、综合材料 

145cm×120cm×145cm 2025年

魏韫浓《星冢·相望》陶瓷 

150cm×55cm×60cm 2023年

本次展览作品题材丰富、风格多元，小件作品匠心独具，大件作品格局开阔。值得关注的是，大型综合装置类作品已然摆脱以往边缘化的创作定位，凭借完整的观念架构与出色的空间驾驭能力，推动中国当代陶艺创作向环境艺术与公共艺术场域延伸拓展。除此之外，陶艺创作在多维度的探索成果同样斐然：以传统器皿为载体的当代转化，传统装饰语言的创新性激活，高温颜色釉全新绘画语言的形成，综合材料的跨界融合运用，模具加工工艺对陶艺成型边界的拓展，黑陶、白瓷、彩瓷从实用器型、装饰载体向观念表达、形态复合转型，更有科技与人工智能技术为陶艺创作注入全新活力……这些作品以各具特色的艺术表达，呼应着这个时代的视觉经验与技术语境，陶艺创作工艺手法从未有过的巨大丰富，使陶瓷艺术真正成为艺术家鲜活的个体情感与思想载体，同时共同镌刻出属于这个时代的艺术印记，为陶瓷史的撰写增添迭代式的厚重篇章。

付磊磊《纹韵》绞胎陶瓷 

90cm×30cm×100cm 2025年

庄虹虹《闲听蕉风》陶瓷

52cm×22cm×57cm 2025年

董琳《苍林双栖》电镀高温瓷

110cm×25cm×150cm 2025年

刘国英《武松打虎》陶瓷

25cm×20cm×50cm 2025年

伍紫琦《牧羊人》陶瓷 

80cm×30cm×50cm 2026年

贺晓容《守白》匣钵土 

44cm×12cm×63cm 2025年

“第四届当代陶瓷艺术展览”传递出一个重要信息：重新理解生命与物质的心手相应，重新理解我们的双手与泥土之间的私密关系。如何在人的表达中还能倾听泥土的声音，如何在烧成中尊重火的情感，如何捕捉我们稍纵即逝的思维，如何在纯粹的高贵里怜悯脆弱，如何在技术的规范里宽容失误，如何在历史的经验里添加陌生的感动，如何仍然使用这古老的材料和古老的形式制出属于今天、属于艺术家个体独有的生机勃勃的新生命来……这多重的“如何”，是陶艺家向内心深处掘泉的旅程！在今天的宏大叙事和主题创作之外，还有另一种亲切而朴实的、由生活而来的、生机勃勃的、既古老又青春的“中国·CHINA”艺术——它来自手，来自泥土，来自火，来自每一个具体而真实的个体心灵。而这一切，归根结底，都源于陶瓷艺术那与生俱来的、随时代与人的生活方式改变而改变的伟大的自我更新的力量。