出生于黔东南州黎平县的剪纸艺术家杨金秋，对苗族文化的热爱，始于年幼时期从父母耳中听到的故事和古歌， “我是土生土长的苗族人，我小时候之最喜欢听苗族图腾树的故事。图腾树繁衍了苗族的子孙后代。“
正因如此，她将图腾故事牢记心中，通过自学的“盲剪” 工艺将图案用剪刀“纪录”下来。
比如《枫树与禾木树》《水波纹与蝴蝶妈妈》《姜央坐在石椅上洗头》等作品，据说，黔东南地区的苗族人，通常把蝴蝶视为人的始祖，祭祀的就是“蝴蝶妈妈”。而在他们口口相传的在苗族古歌中，由枫树孕育的蝴蝶妈妈，产下了姜央、雷公、龙、象、水牛、虎、蛇、蜈蚣等十二个兄弟。“
”我有一首关于“蝴蝶妈妈”的古歌，现在我为你唱一段可以吗？”杨金球在采访的中途，兴之所至地唱起了由苗族方言组成的古歌，她用她极具感染力的歌声，很快将我们带回了她年少时期生活的苗寨。
“我小时候的生活很艰难，没有钱买纸和剪刀，所以我都是做完农活之后，把山上的树叶摘了，拿回家做手工。”杨金球说，最初的“盲剪”工具来自她的双手，“我把树叶用手指甲抠出形状，慢慢地，图案就被我抠出来了。”
而她的盲剪技艺是通过无数次的练习和自然界的观察得来的。她创作的图案来自于她在做农活时看到的一切。比如说木叶、小虫、蝴蝶、小鸟等等，她在作品中将这些元素融合在一起。这种与自然紧密联系的创作方式，使她的作品充满了生命力和独特的美感。
为了让这项苗族的传统技艺得到更好的传承，她自掏腰包，用了整整八年时间创作了《杨金秋剪纸》这本书，书中记录了她多年来的剪纸作品。“因为我不识字，没有什么文化水平，所以出书的过程很困难。好在有很多好心的朋友帮助了我。”最终，这本书在她的努力之下得以成功出版，她自豪地说：“我想要做的事情，谁都难不倒我。”
为了将苗族的传统技艺传承下去，杨金秋还积极投入到教学中。她在幼儿园和小学教剪纸，希望通过这种方式，让孩子们从小接触并了解苗族文化。
她笃定地表示，在不远的将来，即将要出一本关于苗绣的书，“这本书也是由我编写的，因为我现在已经60多岁了，我还要继承传承苗族文化，不然我对不起祖宗，也对不起子孙后代。”
杨金秋不仅是苗族文化的守护者，更是其传播者和创新者。未来，她将继续以自己的方式，将这份宝贵的文化遗产传承下去。
Q:您希望通过您的艺术作品对苗族文化和艺术传承作出怎样的贡献？
A：我希望苗族文化能够多元化发展，并让年轻一代了解和接受苗族文化的精髓。通过教学和创作，我希望将苗族的传统技艺传承下去。
Q：在这次GLASS举办的“艺脉相承·杰作大赏”活动中，您准备了哪些作品？
A：我准备了一些贵州少数民族的刺绣作品，使用了破线、数纱等技法。我们会将剪纸作品与时装结合，展示苗族的民间艺术。
位于云南大理的周城村，被誉为“扎染之乡”。而自幼成长于此地的张翰敏，则用她的人生故事为这门古老的手艺注入了新的色彩。
张翰敏自幼成长于周城村，耳濡目染地接触到扎染技艺。她回忆道，“我从小就生活在有着百年历史的四合五天井的院落里，每当天色蒙蒙亮的时候，叫我起床的“闹钟”，就是村里的奶奶们在院子里扎花织布的声音。”
她补充道，“当时，我的奶奶是村里织布小组的小组长，通常她会带着十几个奶奶在院子里织布，她们会把线从南边的房子拉到北边，大概有十几米的距离，所以每天清晨，梭子穿线的的声音就会把你吵醒。”而令张翰敏印象最为深刻的画面，是一位奶奶背着经线，慢悠悠地走在院子里，此时夕阳正好打在经线上。在她眼中，老人背着经线的剪影，美得就像是一幅油画。张翰敏说：“我以前在北京上班的时候，只要我去挤地铁，脑子就会浮现这幅画面。”
最终，张翰敏和她的爱人决定从北京回到两人共同的故乡大理，开启人生新的篇章。回到家乡后，张翰敏开始系统地学习白族扎染技艺。她拜访了许多扎染手艺人，更从中找到了一位她真正的师父，她说，“师父身上有着许多传统手艺人的特质，他很会扎染，但除此之外，他还擅长很多其他的事情，比如他会画图，看周易，还对建筑感兴趣….虽然他看上去是一位很普通的老人，但是因为他就有很多对生活和艺术感知的能力，从而构建出了他扎染的功力。”
张翰敏认为，扎染不仅是一门手艺，更是一种生活方式。通过扎染，她重新审视了人与自然、与他人、甚至包括与自己的关系。“我儿子在他六七岁的时候，对我讲过这么一句话，他说：“妈妈，如果我从现在开始用手帕的话，我是不是就可以拯救很多的森林。” 儿子不经意说的一席话，让张翰敏对扎染这件事有了更加深刻的认知，她希望通过扎染，真正来为大自然做一些事情。
如今，张翰敏创立了自己的扎染品牌“蓝续”，她希望通过创新和传承，让更多人看到传统手工艺的价值，“扎染给我带来了许多快乐，以及无限的想象。”张翰敏说，如今有越来越多的年轻人加入了“蓝续”的团队。“当你进入我们的工作坊里，你看到许多年轻人围绕在一起染布、打布、洗布，同时也在创作新的技艺，当你把许多有设计力的产品放在年轻人面前，当他们觉得很美的时候，就能很迅速地拉近产品和与消费者的距离。”
在扎染技艺传承方面，张翰敏着力强调了“真诚”的态度。她认为，只有真诚地对待手艺，才能真正理解和表达其价值。在她的努力下，扎染技艺焕发出新的生机，成为了周城村乃至更广阔世界的文化瑰宝，如同那一块块染布，在时间的长河中，绽放出绚丽的色彩。
Q：您是如何学习和掌握白族扎染的各项技艺的？在此过程中有哪些难忘的经历可以分享？
A：刚回大理时，我拜访了许多村里有经验的扎染师傅。此外，我还去了日本、中国台湾等地，学习不同的草木染技艺，这些经验丰富了我对扎染的理解。在白族扎染的传承中，我不断探索和溯源，努力将其独特之处展现出来。
Q：在《GLASS》举办的“Glass三周年Made Here杰作大赏”中，您准备了哪些作品？如何看待传统手工艺与现代设计、时尚等领域的合作形式？
A：我们带来了未完成系列——白族扎染未打开状态的作品，以及白族扎染纹样，展示白族人的审美和文化。我们还带来了扎染与皮革结合的时尚作品。我们致敬传统，但也要面向未来，实现更多创新。在融合时代，传统工艺与设计时尚等领域的合作，可以更好地表达中国传统手艺之美。
壮族时装设计师徐上茜来自广西桂林，从年少时，当地少数民族文化对她的成长产生了深远的影响。高中毕业后，她前往英国伦敦求学，踏上了探索时尚设计的道路。
在伦敦的六年求学经历中，徐上茜接触到了多样化的艺术形式。这段经历不仅拓宽了她的视野，还带来了深刻的文化冲击。她回忆道：“在伦敦的求学经历让我对时尚有了更深层次的理解，也促使我开始思考如何将家乡的文化与现代时尚相结合。”
完成学业后，徐上茜回到中国，创立了自己的可持续时装品牌MTG– MIND THE GAP。致力于将壮族文化与现代时尚设计相结合。品牌创立之初，正值全球疫情爆发，许多计划被迫中止，但这也促使她探索新的展示方式。她选择通过线上发布的形式，展示品牌的首次作品，回忆起这段经历，徐上茜说：“我们筹备了很久，最终决定通过纪录片的形式记录发布过程，这不仅是一次冒险，也是一种创新的尝试。”
在拍摄的过程中，她和团队前往古壮寨，与当地村民共同创作，使用传统的百纳布元素，将其与现代设计相结合，赋予这些逐渐消亡的手工艺新的生命。
徐上茜在设计中，不断尝试将传统手工艺与现代时尚相结合，并在与当地民族文化相关的文学作品中汲取灵感。比如，在MTG 2023春夏系列“布伢”中，她以黄少崇散文集中壮族对于生命的信仰为灵感来源，持续深入挖掘家乡文化符号——花婆，在追述古老文明继承和循环往复的同时，塑造了一个充满神秘感的未来主义女性形象，表达了MTG对于家乡民族浪漫的诗性追求。
在壮族的传统神话中，花婆象征着繁衍生息和传承。徐上茜解释道：“花婆隐喻了我们品牌的理念、文化的延续和循环以及可持续发展的态度。”
正因如此，徐上茜对于“可持续时尚”有着深刻的理解：“我在伦敦读书时，学校从一开始就强调可持续发展的理念，它需要从生活本质出发去理解。它不仅仅是时尚，而是与生活息息相关。铭记过去是我们坚持的内容，将旧与新的概念打破，通过创新手法和技艺，赋予旧物新的生命。”
在国际舞台上，徐上茜不断展示壮族文化和传统工艺。她的作品多次亮相巴黎时装周和伦敦时装周，受到了广泛关注。未来，徐上茜计划进一步推广中国少数民族文化，将各民族的图腾和故事，用时尚的理念赋予新的生机。她希望通过深入挖掘不同地域的文化特征，将其延展到未来的设计中。
徐上茜表示：“56 个民族的文化元素都是从劳动的核心出发，随之带入了不同民族的文化习俗，所以我想用这些民族元素以时尚的表达方式，串联成一种文化上的可持续。”
Q：设计服装的过程中，您如何平衡传统民族元素和现代时尚元素之间的关系？
A：我们会尽量简化视觉冲击感，通过极简线条融合复杂的工艺和织物。我们使用一些现代的库存面料和可持续材料，与传统手工艺结合，创造出既具有穿着性又具有多场景功能的服装。
Q：在《GLASS》举办的“Glass三周年Made Here杰作大赏”活动现场，您的作品将如何与现代时尚元素相结合？
A：我们计划通过展示壮族人民的生活状态，如晾晒被子的场景，来展现壮族文化。我们会使用竹竿搭建架子，铺上百纳布，同时展示两套在上海时装周秀场的作品。这些作品通过一片式剪裁和复杂的百纳布花纹，体现了传统工艺的魅力。
姚兰出生于一个苏绣世家，家族的女性长辈们世代以苏绣为生，从母亲、外婆到更早的几代女性，姚兰从小就在这样的氛围中长大。她的母亲姚建萍女士被誉为“苏绣皇后”，姚兰回忆道：“从小我就看着母亲和家里的姑姑们在做刺绣，觉得绣品特别美。”
然而在她的少年时期，由于母亲忙于刺绣事业，难以抽出时间陪伴在她身边。她坦言：“我的母亲几乎不参加我的家长会，也很少关心我和妹妹的成长。这让我对苏绣产生了一些抵触情绪。”
随着时间的推移，姚兰的态度逐渐发生了变化。她在高中时期选择了美术作为自己的专业方向，并考入了中国美术学院。母亲姚建萍在事业上取得的成就也对她产生了深远影响，其中，姚建萍为英国女王绣制的一幅肖像，被英国王室收藏，这些荣誉和高光时刻潜移默化地改变了姚兰对苏绣的看法。姚兰说：“在见证母亲的成就后，我逐渐感受到苏绣的魅力和价值。”随后，她考入清华美院，继续深造工艺美术，并在硕士期间前往纽约苏富比艺术学院学习艺术管理，以便更好地理解和运营艺术事业。
作为苏绣的青年传承人，姚兰深知传统工艺需要与时俱进。她不仅仅满足于制作精美的绣品，还致力于将苏绣融入现代生活，让更多的人了解和喜爱苏绣。她解释道：“苏绣不仅仅是一种手工艺，它有着深厚的历史价值和社会价值。通过现代设计，我们可以让苏绣焕发新的生命力。”
如今，姚兰创立了自己的苏绣生活品牌“姚绣”，通过开发一系列创新产品，让苏绣走进更多人的生活。她说：“我们开发了苏绣腕表、苏绣配饰、苏绣服装和苏绣家具等产品，让绣品不再仅仅是装饰品，而是可以在日常生活中使用的实用物品。”
除此之外，姚兰还创办了“姚绣课堂”，通过线上视频和线下教学，让更多人能够轻松上手，体验苏绣的魅力。她说：“我们希望通过教育和推广，让苏绣能够被更多人了解和喜爱。”
姚兰补充道：“在现代紧张快节奏的生活中，苏绣满足了人们对江南优雅和慢节奏生活的美好向往。它可以让人内心稳定、安静和放松，是一种治愈内心焦虑的方式。”
在本次《GLASS》举办的“Glass三周年Made Here杰作大赏”中，姚兰展示了她和团队创作的一系列作品《花开盛世》。这些作品以梅兰竹菊为元素，通过与天然石材的结合，呈现出一种刚柔并济的美感。对此她解释道：“这是我们在材料方面的一次新尝试，通过与天然石材的结合，我们希望展示苏绣在现代设计中的无限可能。”
Q：您是如何理解苏绣代表的“东方奢华”？
A：“东方奢华”是一种中国人本源性的美学定义，与外来文化不同。它刻在我们的民族基因中，体现了对高贵、优雅和贵气的审美追求。苏绣是一门锦上添花的艺术，使用最好的桑蚕丝和丝绸，采用最精细的工艺。虽然苏绣在许多人眼中是民间艺术，但实际上它大部分时间都是为皇室和贵族服务的，体现了高贵的审美倾向和强烈的艺术性。
Q：您希望通过这次活动，向公众传达哪些您的创作理念？
A：我们的团队精神是“悲观者永远正确，乐观者永远前行”。我妈妈这一代人面对许多不确定性，但她们勇敢实践，完成了许多看似不可能的任务。我受益于苏绣的匠心精神，坚持长期主义，认为做品牌需要厚积薄发。我希望社会各界对我们多一些耐心，允许我们慢慢来，将苏绣这一传统手艺在现代社会中发扬光大。
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