长剧的下一步还能往哪里走？

一边是AI技术带来的行业革新，另一边是平台没钱、回款慢，项目大幅缩减的现状。处在中间的影视公司们作为内容生产的中坚力量，急需一条可以先“活下去”的通路。

这样的情绪有多么迫切？在2026年中国电视剧制作产业大会的现场感受最为明显，行业一线制片人、资本方、广电总局领导发言时，台下座无虚席，从业者们纷纷举起手机，想寻找一些向好的风向和摆脱现状的可能。“行业现在这么难，大家聚在一起相互看看，也算是互相安慰，心里或许稍微好受一些。”这是大多数参会人员的真实心理活动。

大会时间有限，主咖们的分享内容也只能提纲挈领。于是，在大会之后，新浪娱乐娱理分别约到了六位行业一线制片人，一起来聊一聊影视行业的“自救法则”。他们是东阳正午阳光影视有限公司董事长侯鸿亮；华策影视集团总裁傅斌星；长信传媒董事长郭靖宇；灵河文化创始人兼CEO白一骢；制片人黄澜；北京电影学院教授、著名编剧、制片人张巍。

面对影视行业目前关注度最高的十个问题，他们给出了自己的答案，这些关于制作费、利润、分账、长剧创作空间、平台去中心化、AI发展等问题不再是提纲中被反复斟酌的“敏感点”，而是最适合在当下被讨论的“大实话”。

制片人们的分享内容丰富，分为上下两篇发布，先解决“活下来”的问题，再一起“看未来”寻出路。

新浪娱乐娱理：制作费减少、回款周期太长，影视公司没钱了，怎么办？

侯鸿亮：在内容策略上，从过去追求“大制作”，转向“精内容”的务实路线，注重分圈层题材的挖掘，开发差异化的内容产品，精准对接市场，提高作品的存活率和回报率。

成本控制也是行业突围的关键。传统的电视剧制作模式已经难以为继，我们必须进行自我革命，从被动的成本削减，转向主动的效率提升。如今AI技术蓬勃发展，新技术驱动的业态创新也将持续涌现，AI短期内虽不能代替核心创作，但对影视行业的创作流程、筹备方式、执行和组织方式等都会有很大改变，也将彻底优化电视剧制作的成本结构，那如何应用AI实现降本增效就成为当下值得探讨的关键。因此我们要优化业务流程，减少中间环节，提高运营效率，主动开发全新的内容形式，满足用户多样化的需求，开辟新的盈利增长点。

同时，搭建内外部共享拍摄基地、设备租赁平台等，实现场地、设备的循环复用，也可以降低单剧固定成本。比如我们上半年计划多个项目集中在厦门拍摄，就可以整合当地的拍摄场地资源，避免单项目单独沟通和购置设备造成的资源浪费和资金占用，大大降低沟通和置景成本，让资金使用更高效。

傅斌星：过去几年，整个行业都在经历一个去泡沫、去高杠杆、去粗放扩张的过程。无论是资本市场对长剧预期的调整，还是短剧、AI 内容等新形态对用户时间的重新分配，这些变化都不是阶段性的噪声，而是行业必须正视的新现实。 

在这样的环境下，华策主要用“三条增长曲线”来保证公司的生命力。

第一条一定是内容。内容是一切的源头，也是其他相关业务成立的基础。我们在内容策略上既谨慎也大胆——谨慎，是控制开发总量、提高项目确定性，不盲目铺量；大胆，是继续投入创新内容和稀缺内容，不简单追逐风口，而是尽量做有独特性的作品。

第二条增长曲线是AI 。AI对我们来说不只是工具，更是未来影视工业化体系的重要变量。一方面它可以帮助内容生产降本增效，另一方面也能提升管理效率和组织协同能力。我们在2023年成立 AIGC 应用研究院 ，自研“有风”和 “国色”大模型 ，持续探索AI 在内容开发和制作流程中的应用。

第三条曲线是IP的全维度开发。一部剧如果只能依赖首轮播出回款，它的商业模式是脆弱的。只有把内容价值做长、做宽、做深，企业的抗风险能力才会更强。 

此外，国剧出海仍然是一个非常重要的增量空间。华策的海外业务这些年保持稳定增长，我们逐渐形成了“国际化内容+本土化推广+精细化运营”的方法，让中国故事在不同地区找到自己的观众。把有限资源集中到真正有价值的事情上：用科技提升效率 ，用IP运营拉长变现周期，用全球化打开新增量。

郭靖宇：现在行业经历的我之前也经历过。多年之前，我去找平台，平台说大项目先别送了，没有大IP，又不用流量，过不了会。放在当时，没有信心的人可能就解散公司、套现走人了，但是我没有。

我跟全公司说，忍一忍先不往外报项目，可以做小的to C项目，最重要的是全公司跟着我一起练内功，修炼创造原创IP的本领，潜心打磨IP。我的建议是，什么时候都不晚，一定要做原创IP，有核心创作者的公司一定能缓过来。有些公司就是玩票，一年开七八部戏，没有原生创造力，靠人脉、靠搬明星、靠组盘子，这种模式走不长久。

我们公司没有“组盘子”的人，全是干活的。大不了我把公司化整为零，让几个人成为超级创作者。我也在鼓励我们后期核心团队走到前台做AI导演，他们有二三十年后期经验，了解各个流程，这是能掌控AI创作的人。现在行业降温是好事，正好修炼内功。

白一骢：AI能降低一部分成本，中剧提供了一种新可能，但中剧还没有经过完整的市场洗礼。大家只能摸着石头过河，也希望平台解决资金问题之后，能找到新的融资方式，可能需要政府或主管单位牵头对接文化类资金，解决公司融资难题。

行业现在非常困难，注定会迎来一场大洗牌。去年、前年就已经有很多公司撑不住了，今年只会继续淘汰。一家公司如果没有核心竞争力、没有生产力组织能力、没有市场判断力、没有抓题材的能力，死掉是很正常的。

黄澜：其实生存焦虑不只是影视行业有。任何一个行业、任何一个市场再难，也都有人能活下去。大家都说经济下行、餐饮业下滑，但还是有很多商店、餐馆人满为患、排长队。关键是在当下环境里，找到生存法则，本质上是对自己价值的判断，能不能对市场变化做出相对准确的反应。

所以首先不用焦虑，其次要深度挖掘自己、拷问自己：我的价值在哪里？我的爱好在哪里？我到底喜欢什么？过往工作中，哪个部分是我真正享受的？我喜欢的部分，在新的市场环境里，还有什么可能的结合点？这是一种必要的自我探寻。

我做制片人也16年了，对我来说，还是会关注如何让自己“活人化”，思考当下的焦虑点和方向，不断和自我链接，寻找对应的题材。比如我拍过很多女性题材，当妈妈时拍妈妈的焦虑，做妻子时拍婚姻的焦虑，创业拍创业焦虑，现在步入中年、父母年纪大了，拍老年相关的内容；孩子长大，我关注代际关系、教育问题，这些都是我真实的感受，也会变成创作方向。

张巍：我个人感觉，一个是多赛道尝试，比如中剧，它是一个低成本高效率的类型，账期相对也短，同时，也特别适合用来作为打造IP的试水类型，这种就非常适合尝试。

另外一个是，想办法前置变现，比如帮助构建文旅IP、品牌集成类型的“剧集厂牌”，或者和单个品牌/行业或者领域进行深度内容合作，这些都是目前可以想象的。

当然，还有一个可想象的空间，就是做好向AI领域迁移的准备。每个影视公司的优势项目都是不一样的，我认为需要梳理一下公司的能力版图，在真正有优势的方面，去尝试和AI的结合，因为AI正在带来的是整个影视工业流程的结构重塑，所以，率先进入无人区，参与到这个重新定义行业的过程中间去，找到新的定位，可能也是穿越周期的一种方式。

新浪娱乐娱理：分甘同味和后验模式的推行能带来更多收益吗？ 平台“去中心化”行得通吗？

侯鸿亮：这种分账模式的变革，给整个电视剧行业带来了全方位的深层改变，推动了行业从“流量导向”向“内容本位”回归。一是双方生产关系实现重构，新模式让双方结成了利益共同体。优势是让制作方无需盲目迎合平台，得以沉心做内容；二是创作导向也随之转变，从流量博弈转向用户价值。分账模式将收益与真实用户观看时长、会员转化率等核心指标挂钩，倒逼制作方跳出“唯流量论”内卷，减少注水剧、套路剧，深耕内容本身，激励制作方打磨剧本、追求精品；三是行业生态更规范多元，平台也可以完善数据体系。

分账模式改变的风险并非由单一主体承担，最直接承压的是制作方，面临的最大风险是现金流问题，因为分账收益要等到播出后90天甚至更久才能核算发放，而制作方需要提前垫付全部成本，一旦剧集播放效果不佳，无法达到分账门槛，就可能面临成本无法回收、资金链断裂的危机；二是市场风险，分账收益完全依赖用户反馈，这就对制作方的市场研判能力提出了更高要求，一旦题材选择失误、内容质量不达标，都可能导致投入无回报，甚至为了降低风险，被迫复制成功模板，抑制题材创新；三是由于平台掌握分账数据的主导权，规则调整会直接影响收益预期。

平台承担的风险集中在两方面：一是内容投资与运营风险，“分甘同味”模式下平台需全额承担制作成本，若剧集表现不佳会直接亏损；“后验”模式下虽无需垫付制作成本，但投入的流量、营销资源会被浪费，还可能影响用户留存和口碑；二是规则落地的风险，数据不透明、规则不被认可，也会引发合作纠纷，影响内容供给。同时，产业链上下游相关主体也会有相应的连带风险。

分账模式作为平台在资金压力下的“效率革命”，可以通过市场化机制筛选优质内容，但也在一定程度上挤压中小团队的生存空间，而平台数据透明度，更是决定双方是否能实现共赢的关键。

傅斌星：分账机制的变化，最大的影响是让内容决策变得更加理性。现在更强调播出表现、用户反馈和完播效率，这会倒逼制作方在前端更加审慎，也让剧本质量在整个生产链条中的重要性进一步提升。

从市场结构看，项目会出现更明显的两极分化：头部项目仍然具备较强议价能力，而中腰部项目会更多依赖分账机制去博后验收益。这既给中小公司带来机会，也意味着前期投入和现金流压力更大。

另外，平台与制作方关系会从 “买卖关系”走向 “联合经营 ”：这其实是好事，因为行业成熟的标志，不是某一方永远赢，而是大家开始用一套更接近市场真实反馈的机制来协同。

但坦率来说，当前阶段制作方和投资方承担的现金流风险也在加大。因为片方往往在前期已经投入了真金白银。后验分账一旦不及预期，首先感受到疼痛的，一定是制作端。所以未来会需要更透明的分账规则、 更公开的数据口径、更长期的激励机制、更清晰的权责结构。只有这样，平台、片方、创作者才能真正形成 “分甘同味” 的共同体。

郭靖宇：新的合作模式让大家对创作更加认真了。我们的《烟雨神游记》和下一季《唐诡》也会采用这种分账合作的方式，版权共同拥有、共同分润，对优秀创作、对IP系列化开发是好事情。

我一直很心疼平台，平台拿那么多钱砸演员、砸创作，太浪费了。我当年拍《射雕英雄传》时，还主动追到航站楼跟龚宇说要降价。但很多公司趁着题材热度、平台竞争不停涨价，消耗行业。平台要活下去，这些模式就是进步。影视公司确实要承担更多风险，但底气就是做内容的本事，以及愿不愿意担当。

以前行业缺乏原创，是因为买IP、请流量、组盘子太简单，赚钱太容易。现在愿不愿意沉下心做难但对行业有意义的事，很关键。这是一次行业重构，决定未来的格局。

白一骢：2013、2014年互联网刚起来的时候，平台和创作者还能平等交流，现在已经没有平等交流的渠道了。平台一开始是去中心化的，发展过程中慢慢走向中心化，我们深受中心化之苦。比如和平台合作，中间的制片人会以老板的名义塞各种演员，老板可能只推荐了一个人，下面的人能推二三十个，供应商也是一样，创作者没有办法验证真假。红果就是去中心化平台，团队只有几百人；传统平台几千人，根基上就很难去中心化。

国外影视行业这两年发展不错，国内行业在萎缩，不单纯是经济环境问题，国外经济环境也不好，但Netflix依然在增长。核心是我们的底层商业模式出了问题，制作公司个体无法改变整个路径，只能在现有模式里找生存方式，期待未来社交方式、媒介形式出现新变化，才能解决根本问题。指望现有平台做出翻天覆地的改变，并不现实。

黄澜：一旦想要平权，就意味着要承担对应的义务。平权的过程里，平台一定会推行相关机制，但我更关注的是，过程中有没有真正公平的机制，比如数据能不能透明化。

未来平台可能会变成服务型平台。在这样的环境下，面对众多创作者，平台有没有更合理的算法？新的平权环境，需要配套的管理方法，这些方法能不能提前建立、有没有预见性，而不是等很多人付出代价之后再去完善，这需要行业增加很多沟通。

与平台分账是很难抗拒的趋势，你无法活在过去的成功经验里，只能打开自己，和行业一起沟通。大家都在面对困难，每年都有新的难题，无法躲避，只能面对。对中小公司来说，财务风险会变大，生存会更难，这是行业阵痛期，一定会有很多撕扯和代价，双方都要承担。

我自己的心态也比较矛盾。一方面，分账模式下，传播快、能强烈呼应观众情绪的作品，更容易获得流量。但我到现在这个阶段，不太想点燃焦虑、强烈刺激情绪，更希望做一些偏向和解、有深度的内容，这类内容不一定能带来很高的经济收益。所以这个问题，还是要和平台沟通寻找平衡。如果分账机制只看重经济回报，忽略社会价值，就会有失偏颇。

张巍：从乐观的角度看，目前的分账模式，应该会撬动一批中等体量的剧集的出现，特别是在类型化领域里面，做IP系列剧的想象空间被打开了。

内容驱动的原则肯定是我们更加欢迎的，也更符合内容行业的实质。以目前整个行业面临的变革来看，风险始终是共担的，不管是平台也好，影视公司也好，都有各自面临的挑战和结构化的困境。

新浪娱乐娱理：回到内容，“先定流量再过会”的时代会过去吗？

侯鸿亮：关于“先定流量再做内容”，以及头部IP加高流量演员的模式，我想先坦诚地说一句心里话：这种模式在过去很长一段时间里，确实是被市场验证过的“安全牌”，但它不应该，也永远不会是国剧创作的唯一路径。

如果一部剧的起点是“我们要用哪个流量演员”或者“我们买了个多大的IP”，那它本质上是一个算术题，是流量的叠加和变现。而我们更愿意做的，是语文题和逻辑题——从人物、从故事、从我们想表达的情感内核出发。

围绕着“流量”产生的热度和争议，对于创作者来说是一把“双刃剑” 关键在于创作者自己握剑的力度和方向：

一方面，流量的热度确实在“倒逼”好内容。在过去，剧集播出后，反馈是滞后的。而现在，流量数据是实时的。观众可以用弹幕、评分、社交媒体讨论，这些巨大的流量场形成了一个庞大的“舆论监督系统”。一个逻辑的bug、一个悬浮的人设，瞬间就会被放大讨论。这种“倒逼”是好事，它时刻提醒我们：观众不好糊弄，创作必须严谨。

但另一方面，如果创作者被流量裹挟，那确实会变成一种“纵容”。如果我们只盯着数据看，哪个演员数据好就用谁，哪种题材火就拍什么，那我们就成了流量的奴隶，而不是创作者。这种把热度当标准，把争议当营销，把数据当真理，最后往往走向的是内容空心化、创作套路化、行业内卷化。真正能倒逼行业进步的，是观众越来越高的审美，是时代对精品的需求，是我们对艺术规律的尊重。好内容会自带热度，而流量永远托不起空洞的内容。

我们这一行，说到底是内容为王。流量会褪色，IP会过时，但人类对于好故事的渴望是永恒的。

傅斌星：头部 IP 和高流量演员 ，确实在某些阶段承担了降低投资风险、提升市场认知效率的功能，这是行业真实存在的逻辑。

但从长期来看，真正决定一部作品生命力的，仍然是内容本身。我们其实已经越来越清楚地看到一个变化：观众对内容的判断正在变得更加直接和高效。无论是短视频平台上一些没有明星、没有宣发资源的作品突然爆红，还是AI 创作内容在互联网迅速传播，都说明一个趋势——当内容本身足够有吸引力时，它是可以“单兵作战” 的。

回到优质内容如何与观众见面的问题，我觉得至少有三条现实路径，一：垂类破圈。二：议题共鸣。三：IP生态联动。

头部 IP 和高流量演员确实是市场中的一种 “确定性工具 ”。它们可以帮助项目在前期融资、 招商和传播阶段更顺利地启动 ，这一点不需要回避。如果流量带来的是更高效的传播、更快的市场反馈和更精准的用户运营 ，那它其实是在倒逼行业升级。

白一骢：这个时代正在慢慢过去，但遗留问题很明显。剧本再好，在平台评估里权重也不高；只要找符合要求的流量演员，再差的剧本也能过会，这说明平台根本不相信优质内容的力量，只相信头部演员的“保险作用”。

现在很多头部编剧都开始转向中剧，不是因为中剧已经成功，而是中剧目前有一个相对干净、没有外行指挥内行的环境，大家愿意去尝试。我始终相信内容的力量，也多次靠内容破局，我不担心创作和内容本身，担心的是平台有没有承接能力。做出好内容，是放在传统平台，还是直接在短视频平台发布，这是我们现在要思考的问题，商业模式必须改变。

平台现在的逻辑是不断提纯受众，只留下爱看古偶、爱流量的观众，把其他观众都赶走了。算法只服务池子里的用户，内容越来越单一。我们想选适合角色的好演员，平台说没有数据；我们当年捧红了一批演员，都是我们从新人里选出来、做起来的，现在平台却只敢用现成流量，不愿冒险捧新人。

平台宁愿花高价买“保险”，也不愿低成本赌潜力，导致所有剧都按爆款配置，最后扑街的反而更多。现在我们也可以走这条路：要么做超低成本项目，用AI加新人搏市场；要么有把握的项目，自己匹配成本，靠过往战绩融资，而不是像现在这样，所有人都被动依附平台。

讲完了最现实的困境和行业正在努力做出的改变，是时候讲一下可以预见的未来。

如果平台可以完成去中心化的改变，中剧打开了内容创作者的创作空间，传统的电视剧制作模式又将发生哪些改变？

AI的发展被寄予厚望，成为影视公司实现降本增效的重要方式之一，但AI的发展又会带来什么样的行业变革？

哪些工种最先面临淘汰风险？

总局倡导“剧本中心制”，痛斥流量明星改剧本等问题，但编剧在项目中的地位依旧难以被保障，这样的现状又要如何解决？

东阳正午阳光影视有限公司董事长侯鸿亮；华策影视集团总裁傅斌星；长信传媒董事长郭靖宇；灵河文化创始人兼CEO白一骢；制片人黄澜；北京电影学院教授、著名编剧、制片人张巍，六位制片人一起，讲完行业的困境，继续探讨长剧的未来。

新浪娱乐娱理：AI发展被寄予厚望，谁会被取代？“一人导演”时代真的会来临吗？

侯鸿亮：我认为最先被取代的是那些批量化生产的低质量作品。

因为AI的本质是生产力工具，它大幅降低了内容制作的技术门槛。过去需要一整个团队完成的粗放型制作，如今一个人加一套AI工具就能批量产出。当数量不再稀缺，那些缺乏灵魂、公式化拼凑的内容就会迅速贬值。因此最重要的不再是“如何制作”，而是对AI产出作品的判断和审美。当技术让画面和声音随手可得，什么值得被呈现、什么能触动人心，这种基于审美和人文积累的判断力，将成为区分创作者高下的唯一标尺。

至于“一人导演”时代是否会来临，是由市场决定的，取决于观众对同质化作品的接受程度。从技术可能性上讲，“一人导演”已经近在眼前。一个人借助AI工具链，完全可以独立完成从剧本到成片的全部流程，这会带来前所未有的创作自由。许多过去因资源限制无法实现的创意，现在都有机会被呈现。

影视本质上是群体智慧的结晶，也是多元审美的载体。如果满屏都是“一人导演”的作品，很容易因个人趣味的局限而导致题材趋同、情感模式单一。观众或许会在一开始为这种新鲜感买单，但随着时间推移，当相似的叙事、相似的视觉风格反复出现，审美疲劳就会随之而来。人类天生渴望新鲜的刺激，也渴望在作品中看到不同灵魂的碰撞。因此观众对同质化的容忍度，将直接决定“一人导演”模式的边界。

因此，未来的图景很可能是分层并存的：在低成本领域，“一人导演”将成为常态，带来创意的大爆发；而在需要宏大叙事、复杂情感和顶级工业水准的领域，团队协作依然不可或缺。

傅斌星：AI 快速发展，最先受到冲击的，将是影视工业流程中那些高度标准化、可模块化、重复性高的环节。AI 在一些环节能够大幅提升效率，未来影视生产流程中的很多基础工作都会被重新定义，这本质是生产力的解放。

至于“一人导演”时代，我觉得技术确实让“超级个体”成为可能，尤其在短片、广告、实验性内容领域，一个具备综合素养的创作者足以驾驭全流程。但对于需要复杂叙事、深刻人性刻画和集体情感共振的影视作品而言，创作的核心从未改变，短期内仍然很难被“一人导演”取代。影视本质上是一门关于时间和人物的艺术。几十集的长叙事、复杂的人物关系、演员表演带来的情感震动，这些都依然高度依赖创作者的经验和团队协作。

所以我更倾向于认为，未来的导演不会被AI 取代，而会变成一种新的角色——创作系统的 “ 架构师 ”。他们既要理解故事与表演，也要懂得如何调度技术、调度团队，让“人+AI ”的协同创造出更好的作品。

郭靖宇：我觉得这个行业过去就是参差不齐的，所以大家对AI的感受也是不一样的。

互联网来的时候，也有人觉得是洪水猛兽，但我是最早建议龚宇做《灵魂摆渡》的。今天AI来了，我也是蛮高兴的，创作上它可以帮到我。过去《唐诡》我只敢写5集一个故事，因为每5集就要换一次景。现在AI来了，我们没有降本的困扰，我在新剧《烟雨神游记》中已经两集一个故事，一集半一个故事，甚至一集一个故事，我要求团队帮我造出蓬莱仙境、桃花源，过去不可能，但对观众来说是好事。

AI带给我无限想象，我敢去做更大胆的创作。以前拍《最美的青春》，零下40摄氏度演员要在雪乡演30天，现在我完全可以不用这样，让演员在0度左右去演，其他用AI完成，不用让演员挑战那么大的严寒。

AI不一定会完全替代谁，但未来很多演员演一个戏，只需要3天5天，这倒有可能。好的演员未来线下话剧表演也会是一种方向。我个人可能会坚持有一些戏用真人，比如现在的《烟雨神游记》，我还是会尽量用真人，让AI来配合制作。

大家说以后实景拍摄、亲自写剧本的会成为老手艺人，我还是愿意手搓。观众到底想看的，还是人的复杂情感，每个人的表演都是与众不同的，那些细微的、真实的情绪，是AI很难一下子复刻出来的。

白一骢：我觉得取代这件事其实不分先后，先后无非就是很短的一个时间范围，不可能有很长的间隔。我不认为所有人追的东西一定是对的，也不代表我们都去关注AI，它就一定是正确方向。至于什么是对的，我也不知道，我只能确定，AI是先进生产力的代表，它只是生产力，不是创造力，这一点我觉得大家是有共识的。

很多年前视频网站就喊口号，“每个人都是生活的导演”，其实做不到。作为个体记录者、自媒体从业者，确实带动了行业发展，但对影视专业制作来说，并没有因为技术革新发生真正翻天覆地的变化。

AI一定会带来一个好处，即涌现很多优秀的年轻创作者。原本他们需要熬很多年才有机会拍摄的东西，现在可以用AI先做出来。我们也在主动寻找这些新人，这是一个打破陈旧势力的时代。拥抱AI没有坏处，但我不认为它是拯救行业的救命稻草，行业的问题不是靠AI就能解决的。

“一人导演时代”理论上是可以到来的，但这并不是什么都不管，直接丢给AI就完事了，而是要求创作者具备摄影、录音、产品经理、制片等综合能力。

现在很多宣传有误区，说把内容丢进去就能出结果，如果真这么简单，那工具开发商自己做就好了，何必卖给别人？实际情况是，必须有人不断调整参数、优化指令，才能出合格的内容。

黄澜：从我作为制片人的角度来说，我是乐见其成的。我们做这份工作，本质上很希望出现有意思的作品，艺术创造本身是我们最享受的部分，所以很想看到好的创作。

至于它是怎么来的，我们也希望门槛低一点、成本低一点。我做了这么多年制片人，其实有时候花钱真的很让人心疼，一个场景拍一下就几十万，为了一场雨、一场雪，要费很大工夫。所以如果制作成本能够降低，让很多有想法的人有表达的机会，整体来说我是支持的，我也认同这是一种趋势。

我觉得整个剧组里最机械化的那些工种，都容易被替代。比如灯光，如果不实景拍摄，道具、美术这些，再往真人化的方向发展，化妆也有可能。演员也有被替代的可能。

但怎么讲呢，我们平时工作中，大家很多时候也在辛苦忍耐。我经常在剧组看到，很多工种的工作人员会睡着，或者刷手机、很无聊，一直在等待，从早到晚工作时间很长。如果不从特别功利的角度，不纠结谁丢饭碗、谁被替代，其实这对大家是一种松绑，大家可以去寻找各种各样新的机会。但新的机会的前提是更加释放人的创造力，而不是剥夺其创造力施展的机会。

张巍：我认为“一人导演”时代看你怎么定义。

如果从数量上看，一人导演的剧目未来会成为市场上各种剧目的一部分，但是我认为，未来市场对于剧目的判断和接受标准，依然还是要基于作品本身受欢迎的程度。

最先被取代的应该是各种最基础的技术操作工种。所有的手艺做到足够高的水准，都会抵达艺术的层级，能做这样的层级，你可能就是生产skill的那个人，现在的工作方式一定会改变。

新浪娱乐娱理：您们目前在AI方面的布局有哪些？

侯鸿亮：目前我们公司在AI布局上，态度就是先用起来，把AI当成影视创作和实拍的实用辅助工具，踏踏实实帮大家解决实际工作中的问题。坦诚地说，以目前的技术水平，AI暂时还替代不了长剧、电影的核心创作——像故事叙事、人物之间的复杂情感、演员的细节表演，还有导演对现实、人性的理解和审美判断，这些只能靠我们的创作者，AI是替代不了的。

现阶段，我们主要计划把AI用在前期筹备和中间的实操环节，比如帮着做分镜预演、测试人物造型、绘制场景概念图，提前验证战争戏、危险镜头这些高成本、高风险的场面，尽量减少现场的试错和浪费，也能帮大家规避一些安全风险。我们还明确了AI创意部的定位，让他们重点做项目预演、视觉筹备和流程效率支持，不搞技术展示，只实实在在帮导演和剧组解决实际难题。

接下来，我们计划先推进两个小试点，不盲目铺开，先试着在复杂戏份预演和项目筹备辅助上做尝试，同时认真整理导演们的真实需求，尽快定下AI使用的内部规矩，比如数据保密、素材使用、内容审核这些，一步步围绕具体项目，慢慢摸索适合我们自己的AI应用方式，也希望能在实践中不断完善，不急于求成。

傅斌星：华策在AI方面的布局，一直坚持一个原则：技术必须服务内容、服务创作。 围绕这个原则，我们主要从三个方向推进。

第一是应用赋能。华策成立了AIGC 应用研究院，全面接入顶尖大模型，重点研发影视垂类应用，让 AI 逐步进入创作、制作和后期等多个环节。第二是算力布局。我们在算力基础设施和技术工具层面持续投入，为 AI 在影视生产中的应用提供稳定支撑。第三是生态共建与人才培养。比如我们正在建设桐庐富春江影视科技产教示范区 ，把 AI 技术、影视产业和教育体系结合起来，培养既懂技术又懂创作的复合型人才。

最终的目标其实很简单 ，就是让AI 嵌入影视创作的全流程 ，把创作者从大量重复性的执行工作中解放出来，让他们把更多精力放在创意和情感表达上。

郭靖宇：我们很可能是第一个把AI做成长篇作品的公司。我一般不单独做这方面的招聘，我会跟年轻的团队一起合作。我们一直有合作的AI团队和公司，竖屏短剧也一直在用AI做，我之前也开放了一些我们的IP的枝杈给他们。

这几个月的成果每天和每天都不一样，我们有一个戏马上就要上线了，但是技术又革命了，他们就回炉重新把之前做好的再做一遍，更新速度很快。我觉得没有必要自己成立这样的公司，刚好是年轻人创业的机会，行业大佬们投一下，给孩子们一个成长的空间就好。合作方式磨合更快，对行业的感知也更快。

白一骢：我个人一直对技术很感兴趣，从前年就开始做AI相关的事，一方面研究模型，一方面开发应用。去年春节后回到北京，我直接叫停了应用开发，当时团队很不理解。

因为我推演模型发展发现，全世界只有七八家顶级大模型，他们的目标是完成商业交付，前提是把使用流程变得极简，普通人说一句话就能出结果。那时候我就判断，应用层的工作是无效的，早晚会被模型覆盖，我们在模型外面套一层工具去解决一致性问题，本身就是错的。模型一旦迭代，我们之前的研发就会全部白费，所以我们不该做应用，只需要使用AI。

我们在成都刚杀青一个与爱奇艺合作的剧叫《请再好好活一次》，想做成季播剧。开机前就计划用生成式AI做画面，因为当时AI分辨率不稳定，所以设计了分屏形式来规避问题。去年年底开机时我就说，先只做基础工作流安排，不要深入制作，因为到3月一定会有新模型出来，现在做的东西到时候全都会过时，必须重做。

结果还没到3月，2月新模型就出来了，团队都说幸好当时没多做。现在我依然不着急做，因为这个剧九十月份才上线，我等9月更新完再做，一周就能完成。我还有一个马上开机的项目，预算和周期都很紧，我直接跟制片组说，有些段落直接划掉不拍，我笃定AI能做出来。

目前，我们把重点落在实拍和AI结合的方式上，把AI作为提升效率的工具，辅助实拍，而不是彻底覆盖实拍，一方面保留人的创造力，一方面，也是给人尽可能争取留下一些机会。

黄澜：一方面我自己保持对行业的随时观察，另一方面也会试试手，花很多时间听大家的分享，观察AI的发展，保持深度关切和持续学习。

我自己从《如懿传》之后，成立了个人工作室，慢慢转型成IP的发掘者和培育者。以前制片人更多是做组织工作，现在我更偏向创作端，在IP孵化上花了更多心血。如果能找到AI方面合作的制片人、导演，我会很高兴。但现在有很多不确定性，因为AI技术发展太快，很难找到一个人能解决当下所有问题，可能第二天就有新的软件、新的模型发布了。所以我现在先打开思路，对AI保持接纳和学习的态度，静观其变。

张巍：谈不上布局，我是个老师，所以主要还是和各种行业前端的AI团队合作，给学生开课，让他们能及时跟进，至少在未来开始工作的时候，已经有了一点和AI协作的经验。

新浪娱乐娱理：AI时代下，IP会发生哪些变化和升级？

侯鸿亮：其实AI时代的IP，核心和以前比没有本质变化，我们始终认为，IP能立住，还是要靠动人的故事、动人的人物和动人的情感。

和之前相比，升级之处，可能是：以前靠创作人员埋头苦想，现在AI可以参与头脑风暴，进行“创意加速”；以前观众只能被动看剧，将来有可能通过AI与IP实现互动与长期陪伴；以前变现只能靠卖版权和商品，将来有可能扩展到“IP即服务”，通过持续的互动与服务，带来新收益等等。

IP会越来越像有生命的数字存在，它记得你和它的互动，越多人玩它越丰富，甚至老IP也能“复活”成新形态。但核心还是：好故事和情感共鸣不会过时，AI只是让它更灵活、更会“撩”你。

傅斌星：AI 时代 ，IP 正在从传统的单一内容符号 ，逐渐升级为一种“ 动态生态 ”。 它在核心逻辑、价值维度和开发方式上 ，都与过去有了明显不同。

首先 ，在核心形态上，传统 IP 往往是单一内容载体，再向电影、剧集、游戏等不同媒介进行延展；而在AI 时代，IP 更多是以核心人物、叙事体系和视觉资产为基础，通过AI能力实现多载体同步衍生，逐渐形成一个更完整的内容生态，生命力也更持久。 第二，在开发模式上，过去很多 IP 是先有内容，再寻找受众，周期长、试错成本高；而 AI 可以帮助创作者更快理解用户需求，辅助完成概念设计和内容生产，让创作过程更加精准和高效。第三，在价值维度上，传统 IP 主要聚焦内容价值和商业价值，而在AI 时代，IP 还会沉淀为技术资产与文化资产，在更多场景中实现传播与变现。最后，在生命周期上，传统 IP 往往依赖短期热度，而 AI 工具和数据反馈能够帮助 IP 持续被激活和再创作，从而实现更加长期的运营。

我觉得，AI 并没有改变IP的本质，但让IP的延展能力、开发效率和生命周期都被明显放大。 在某种意义上说 ，AI 让角色拥有了更长的生命力，让场景和世界观可以不断被再创作，而观众也正在从单纯的观看者 ，逐渐成为 IP 生态的参与者和共创者。

白一骢：真正能长期保值、价值足够大的IP太少了，很多所谓IP根本算不上IP。到AI真正融入日常生活、数据驱动一切的时候，只有四大名著这种国民级、妇孺皆知的顶级IP能存活下来。

大家一窝蜂去抢IP，只会让IP越来越贵、越来越难做好，不如沉下心开发自己真正有把握的原创内容。

新浪娱乐娱理：总局一直在倡导“剧本中心制”，未来要如何能实现？

侯鸿亮：编剧的工作性质决定了他们必须长期沉浸于创作状态。构建人物、编织情节、打磨对白，这些都需要高度专注的心流体验。因此，建立“剧本中心制”的首要前提，就是让编剧回归创作本身。这需要行业形成共识：一旦编剧在合同框架内完成剧本交付，其核心创作应受到尊重。干预应当有边界、有程序，而非随意而为。同时，编剧的署名权、酬劳机制也需要与剧本的最终呈现效果挂钩，让真正贡献故事的人获得应有的行业地位。

但仅有地位和话语权是不够的。同时需要懂作品的制片人承担沟通桥梁——这是让剧本的“话语权”落地的关键。这需要一个能够“翻译”和“护航”的角色。这个制片人不是传统意义上管钱管流程的执行者，而是真正理解剧本精髓的内容专家。比如当平台或演员对剧情和角色的理解有不同意见时，制片人需要判断这是二度创作，还是触碰了剧本核心。制片人这个角色的存在，相当于为编剧建立了一道“防火墙”，让创作干扰被过滤和转化，而非直接被冲击。并在各方利益之间为剧本争取最大空间。这种分工是需要专注的人能专注做事，将行业博弈交给同样懂内容的专业人士。

归根结底，“剧本中心制”不是让编剧单打独斗，而是建立一套让创作被看见、被保护、被执行的系统。在这个系统中，编剧守住创作的纯粹，制片人守住创作的边界，二者各司其职，才能真正让好故事成为影视项目的圆心。

傅斌星：我觉得，与其讨论 “剧本中心制 ”这个概念 ，不如回到一个更根本的问题：行业是否真正尊重内容本身。

在机制上，其实可以借鉴一些新的生产模式 。比如微短剧的创作机制就很有启发，它会把比较高比例的激励分配给编剧、导演这些核心创作者 ，同时演员的选择也更强调角色适配，而不是单纯的市场因素。这样的机制能够减少创作内耗，让主创团队把注意力集中在作品本身。

从制作公司的角度来说，更重要的是建立一种创作共识：故事应该是项目的起点，而不是最后才被妥协的部分。我们在选择项目时，始终把剧本作为最重要的锚点，也尽量避免因为外部因素去反复修改故事结构。只有当行业真正把剧本放在创作链条的最前端，所谓 “剧本中心 ”，才会慢慢变成一种自然的行业共识。

白一骢：剧本中心制不是编剧中心制，这是核心。剧本中心制的关键是剧本锁定制度，好莱坞已经执行了很多年：剧本达到开机标准后，彻底锁定，任何人不能随意修改，大导演、大演员都不能改一个字，这是工业化的基础。设计图纸都能随便改，工业化就是空谈。总局提倡剧本中心制是好事，但核心是落地“剧本锁定”，目前这一点很难做到。

好编剧的地位并不低，只是职业分工决定了，编剧的核心价值在前期。剧本完成、进入拍摄筹备后，编剧会退出一线现场，这是正常的行业分工。

AI发展对编剧是重大利好，模型成熟后，编剧把剧本输入，AI生成场次，人工微调即可，效率会大幅提升。所以我一直没丢编剧的本职，每年都坚持写戏。

新浪娱乐娱理：站在行业的拐点，您对未来3年最乐观的判断与最悲观的担心分别是什么？您与您的公司目前储备的项目有哪些？

侯鸿亮：在乐观图景中，AI首先成为创作者的好帮手，而非替代者。技术门槛的降低，让更多有表达欲望但缺乏资源的创作者有机会入局。一个人加上AI工具，确实有可能完成过去需要一个小团队才能实现的创作，这会带来前所未有的内容多样性。那些被市场和成本压抑的小众题材、实验性表达，将在低成本制作中找到生存空间。更重要的是，AI倒逼行业回归内容本质。当批量化的流水线作品被AI轻易取代，市场将加速淘汰那些缺乏灵魂的速食内容。审美将成为核心壁垒——算法可以预测点击率，但无法制造真正的共鸣；观众会用自己的选择证明，真正能打动人心的永远是独特的视角与真诚的表达。

最悲观的担心是我们可能在算法的裹挟下走向深度同质化。AI带来的不是解放，而是更高效的流水线。掌握算力和数据的平台方，将利用AI快速生成大量“经过数据验证”的内容。观众对同质化的容忍度将被无限透支，因为算法会不断推送“最安全”的内容，而创作者在生存压力下，不得不向这种算法审美妥协。行业不再创造，而是反复从过往经验中压榨现有价值。

更值得警惕的是，平台将失去培育原创内容的耐心。行业内容人才难以为继，而这是一个无法量化、难以速成的命题。最终，少数掌握数据和算力的巨头将形成新的垄断，他们不需要天才，只需要能够熟练操作AI工具、按数据指令完成内容拼装的“执行者”。编剧、导演等核心创作者的话语权不是被平台或演员稀释，而是被算法彻底消解。剧本不再是创作的起点，而是AI根据热门元素生成的“预制菜”，导演的工作不再是赋予作品独特的视角，而是从AI生成的无数版本中挑选“最不容易出错的那一个”。

这两种情况，不在于AI技术本身，而在于行业如何定义和使用这项技术。是让它成为放大创作者独特性的工具，还是让它成为制造标准件的机器？是让更多元的表达有机会被看见，还是让算法更高效地收窄审美？未来三年，恰恰是行业形成新规则的关键窗口期。

2026年上半年公司有两部戏计划开机：一部悬念题材电视剧《原地逃离》，一部是开端的大电影《送不到的快递》。

傅斌星：如果说未来三年最让我乐观的，一是中国内容的全球化。随着文化强国建设的推进 ，中国故事正在越来越多地走向世界，而且越是具有中国文化气质的内容，往往传播得越广 。第二个让我乐观的是 AIGC 对影视工业化体系的重塑。AI 不会取代优秀的创作者 ，但会极大提升创作效率。 未来几年，“ 人+AI ”的协同创作很可能会成为新的生产常态。

如果说担忧 ，我主要有两点 。第一是快反馈机制被误用。短视频和算法逻辑确实提高了内容效率，但如果整个行业都只追求即时刺激，而忽略人物塑造和价值表达，影视作品的文化深度可能会被削弱。第二是创作人才的断层。影视行业本质上还是创意行业，技术可以提效，但真正决定内容高度的，始终是创作者本身。

至于华策的项目储备，我们未来几年会继续围绕传统文化、革命军事、法治安全、人间烟火等方向推进创作。目前储备的项目包括徽墨文化题材的《祯娘传》、现实主义史诗作品《战争和人》，以及法治题材作品《势在必行》《心诉》，温暖现实题材《你是迟来的欢喜》《花好》《想把你和时间藏起来》《简单的人生》等不同类型的剧集 。我们始终相信 ，真正有生命力的内容 ，既要有文化的厚度 ，也要有时代的温度。

白一骢：最乐观的判断是通过新技术和新生产方式，把过去因为成本太高、难以开发的项目做出来。比如我一直想做的《三体2》《银河英雄传说》，还有很多原创高价值作品，终于有机会落地，我希望一年、两年内就能和观众见面。

最悲观的判断是我们这一代人被时代淘汰，只能退出行业。但我好歹是创作者，实在不行回去写剧本。就算真的被替代了，也可以换个方向生活。

目前，我们手里储备项目不少，悬疑、科幻等类型都有，还有一些过去很难开发的优质内容。《银河英雄传说》是我从小喜欢的作品，算是执念，今年就会启动，我打算自己做，不找传统平台。

因为找任何平台合作，都会被各种干预：用不了想选的演员，拍不了想拍的内容，中台会提一堆不看剧本的意见，非常痛苦。用AI控制成本，自主制作、自主发行，反而更自由。

这篇万字长文，从行业困境聊到了行业未来。

长剧不会消失，但规则和玩法势必发生改变。AI的浪潮还在席卷行业，先进生产力的诞生驱动着行业走向一个新的阶段，平台去中心化将创作的核心归还给创作者，外行指导内行的情况会越来越少，而中剧市场的开拓，也将激发内容创作的新活力，或许未来也会有更多头部公司入局，带来更多有突破的作品。

在当下，活下去是所有人都会面对的现实问题，在未来，经历了这场技术和规则变革的从业者们，依旧凭借着好内容乘风破浪。AI是生产力，并非创造力，只要创造力尚存，行业就还有新的可能。

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