1857年，法国现代派诗人夏尔·皮埃尔·波德莱尔在巴黎写下了这首诗。诗中优美地阐述了关于“联觉”（synaesthesia）的设想：感官可以相互交融。其更深层的意义在于，这一切建立在象征之中——波德莱尔相信，创作者通过象征与隐喻，而非平铺直叙的方式，来呈现真理的独特能力至关重要。

时装，作为一种艺术媒介物，它的效果由人类的感官所记录。但这种效果并非直接诉诸感官所产生的印象，即约定俗成意义上的观看行为与视觉体验；相反，由于在象征层面运作，其效果会体现在完全不同的感官上。这种体验由人体的五种感觉器官记录：视觉、听觉、嗅觉、味觉和触觉。我们通过所有感官与周围世界建立联系。正是这种被触发、被召唤、被关联的感官影响，我们才能够领略不同时装作品的多样魅力。

麦克卢汉

媒介理论家马歇尔·麦克卢汉将感官理解为一个联觉系统（synaesthetic system），其中各个感官处于复杂的相互作用中。麦克卢汉认为，一种感官的印象很容易连接到另一种感官，如视觉转化为声音，声音转化为触觉，以及味觉和嗅觉相互转化。因此，媒介物对感官的效果是通过这个相互关联的系统的响应而显现的。在对感官的影响上，媒介物也具有放大某些感官并削弱其他感官的效果。在麦克卢汉对术语意义的提喻式扩展下，感官即为神经系统、身体或人的整体，而媒介则包含所有装置和技术，被视为前者的外化或延伸——衣服便是皮肤的延伸。如此被延伸和放大的过程一直发生在我们中枢神经系统内部，并由设计师们每一次震撼人心的创作实践而引入新的尺度。

嗅觉，由于在艺术史中长期忽视，甚至被贬低，导致其被排除在美学研究之外。而麦克卢汉则认为它是所有感官中最强烈的一种——嗅觉绕过语言和逻辑，直接进入情感和记忆。创作者通过强调嗅觉来呈现一种独特的艺术感知力：通过不可见的灵性，作为挥发性效果潜伏在视觉形式周围，能够始终保持鲜活和流动。

过去二十余年，时装创作实践在视觉与嗅觉之间建立了一系列充满张力的关系，迫使人们重新思考嗅觉的意义。一些设计师热衷于通过在秀场使用香氛，将其转化为充斥着鲜明气味的嗅觉派对，其中Alexander McQueen的秀场对气味的运用尤为精彩。

McQueen 1999年春夏系列“No. 13”秀场

据调香师Azzi Glasser回忆，她为McQueen 1999年春夏系列“No. 13”秀场设计的香氛灵感起源于一次意外：“作为当时秀场所在地的洛茨路仓库的空间内弥漫着难闻的气味，我清楚记得Lee抱怨道：‘这可怕的味道怎么才能去掉？’”于是，为了掩盖仓库本身的气味，她不得不选择更为浓烈的香型。为了放大设计系列中性感撩人又简约大气的特质，她最终使用了自带催情特质的茉莉香型。秀场中沿通道依次摆放了上千支蜡烛，有趣的是，它们最后一支不剩全被“顺”走了。Glasser调侃道：“那些时尚编辑们的家里想必都持续地萦绕着这场秀的香气。

西班牙艺术家 Santiago Sierra 和柏林建筑工作室 The Sub 联手为Balenciaga 2019春夏“The Mud Show”打造的秀场

与此相呼应的是Demna为Balenciaga 2023年春夏系列秀场设计的嗅觉体验。他让每一位到场观众的鼻腔充斥着强烈的、仿佛带有抗抑郁成分的泥土气味。这种气味来自艺术家Santiago Sierra设计的泥土装置，也萦绕于模特们在此之上行走时裙摆与裤脚被泥土拖拽的动态之中。正如Demna所说，他想要传递一个“挖掘真相、保持脚踏实地的隐喻”，在人们的感官体验中造就了泥泞时代的乌托邦氛围。

Balenciaga 2019春夏系列

除了在秀场中使用本身带有气味的材料，飘荡的感知联想所创造的效果也能够显著影响人们对一场时装秀的体验。

由于时装秀的呈现跨越多样的场所——从画廊、美术馆等实体场域，到杂志、图录等印刷媒介，再到数字化图片与视频、虚拟发布等非实体媒介——气味的存在具有多重含义。数字技术的无实体范式和纯粹视觉化的展示动态去除了气味的在场可能性，产生了普遍意义上的嗅觉缺席。这促使设计师们进行干预，通过使用具有气味联想的材料和符号意象来改变数字空间的虚拟特性，以动摇其赋予视觉的特权化地位，并将气味扩散到超验的空气之中。

正如John Galliano所言，设计师“必须从感官层面重构我们当下所处的这种混沌状态”，这种迫切性体现在他为Maison Margiela 2019春夏Artisanal系列带来的视觉与嗅觉联觉实验之中。

Maison Margiela 2019春夏Artisanal系列

试图批判当下虚拟取代现实的信息爆炸景观，Galliano充分利用了数字媒体通过图像掠夺注意力的霸权，在混乱且过饱和的视觉构造中为屏幕终端的观众带来了强烈的实时感官冲击。创作灵感源自法国作家于斯曼19世纪的小说《逆流》，书中描绘了充满诗歌、香水、艳毒之花的幻境。Galliano直接撷取第十章关于嗅觉实验令人眩晕效应的描写，在计算机生成的渲染画面作为秀场置景和服装图案的过度堆叠中，使观众瞬间产生极致狂乱的嗅觉感知。

Maison Margiela 2019春夏Artisanal系列

由此可见，构建充满活力的视觉—嗅觉联想能够为不在场观众带来身临其境之感，而调动想象力是填补缺席空白的关键。Dries Van Noten在其2015春夏系列中以《仲夏夜之梦》为灵感，开启了一次回归自然的想象之旅。委托阿根廷艺术家Alexandra Kehayoglou制作的苔藓质感地毯成为了舞台；模特行走于其中，穿着格拉斯顿伯里音乐节和火人节等嬉皮文化符号和自然图腾的服装。

阿根廷艺术家Alexandra Kehayogou为Dries Van Noten 2015春夏系列打造的苔藓质感地毯 

Van Noten将带给自己灵感的丰富元素传递给观众，使他们得以将纷繁思绪瞬间串联，仿佛能够嗅闻到服装、配饰和苔藓地毯富有生机的鲜活香气。在设计师们的巧思下，时装作品越发炫耀着极其独特的嗅觉身份。由于时装秀可以通过无处不在的数字媒介观看，观众的嗅觉体验呈现出一种历史上从未有过的形式：媒体提供了具有无限联觉特质的体验。这意味着视觉和嗅觉在非实体空间中更容易互相激发，生成具有虚幻性和瞬时性维度的感知体验。

不同于气味难以捉摸的特性，时装中的声音从未缺席。无论是作为秀场背景音乐，还是与音乐相关的象征符号，声音既能作为环境烘托秀场气氛，亦能先入为主地向观众植入具体的风格化印象。任何特定音乐流派对时装系列的干预程度，皆由承载着文化内涵的时代特征所主导。

自巴洛克及浪漫主义时期以来，古典乐便是和谐或崇高美学经验的声学主题。如同由流水潺潺与交谈低语构成的声景在秀场中能够调动观众的敏锐感知，其意象在着装躯体上的呈现，能够让观众联想到韵律化声响的丰富质感。Comme des Garçons 2023春夏系列秀场由美国作曲家Samuel Barber的1936年经典之作《弦乐柔板》引入，小提琴的优美旋律营造出忧郁氛围，圣咏般的结构和音色渲染出观众对随后作品展示的极高期待。

Comme des Garçons 2023春夏系列

希腊作曲家Eleni Karaindrou天使般的弦乐贯穿全场，她善于通过极致的声感与情绪调和创作，运用希腊拜占庭传统的民间元素描绘生动图景。对每一位倾听中的观众来说，这场表演中的时装作品仿佛流淌在一簇簇弦乐涡流之中，这种和谐的交融景象成为了情感投射的完美载体。

为何时装秀如此强调听觉属性？这个问题的答案在20世纪中后期以来的音乐流行更替中尤为突出——摇滚乐对感官的冲击、电子乐与声音技术的革新、流行音乐在消费市场价值的牢固确立——为音乐成为时装秀上最活跃的主角之一创造了理想语境。为了讲述他们心中的故事，设计师们巧妙运用背景音乐将时装秀提升到了一个全新的高度。随着每一季的流变，我们越来越清楚地看到，一些时装设计师会持续地专注于雕琢秀场中出现的曲目和音乐家，确保选择的音乐流派与品牌惯有的氛围完美契合。

Hedi Slimane用他数十年以音乐为根基汲取灵感的持之以恒证明了这一点，从Saint Laurent到Celine，每场秀中的曲目即使在时装秀结束后也能让观众久久地沉浸在其中。在Celine 2023年秋冬系列中，他直接将场地设置在洛杉矶历史悠久的Wiltern剧院中，整场秀发生在曾经承载着从Prince到Amy Winehouse等音乐人传奇现场的舞台上。

Celine 2023年秋冬系列

不满足于在此播放音乐，Slimane特别邀请了车库摇滚复兴潮的领军人物Jack White进行吉他即兴表演，演奏了其所属乐队White Stripes 2000的代表作《Hello Operator》。

服装本身也呼应着这种现场迸发的能量感：摇滚态度彻底渗透Slimane的设计语言，在精妙高级的造型手法中溢出奢华闪耀的动态之美，邀请每一位观众沉浸于这场赞颂现场表演与时代精神的视听盛宴。

时装秀场对声音的强调提升了观众的感官敏感度，自然也改变了其身体在无意识下对感官输入与输出的反应方式。一些设计师通过引入类似实验音乐的创作形式重构了听觉体验与内化方式，从音乐作为文化消费符号转向身体的直接性，并强调对当代听觉现实的关键理解：世界愈加喧闹，声音本身的含义也彻底改变。

2000年秋冬，以扭曲比例与雕塑感创作闻名的荷兰设计师双人组Viktor & Rolf呈现了一场高级定制系列，其最显著的特点在于拓展听觉的广度。服装覆满厚层铜铃，模特在浓雾泵送的T台上行进。一套套作品接连发出叮当铿锵声，其声先于形而至。

Viktor & Rolf 2000秋冬高级定制系列覆满了厚层铜铃 

他们将铃铛的声音与服装的形象并置为信息的标识与传播媒介，将听觉与视觉二者动态联结。每件衣物都融入了秀场奇观，重申时装的感官体验——套装唯有在身体上并于运动中才臻于完整。由此，这场秀提出了一种观念：声音优先于视觉，更契合时尚作为三维具身体验的本质。

Viktor & Rolf 2000秋冬高级定制系列覆满了厚层铜铃 

正是这类具有先锋意识的设计师，探索了声音作为感官表达的独特双重性，通过时装系列发出富于挑衅意味的宣言。Alexander McQueen 2001春夏“VOSS”系列中，覆盖着1200个蛏子壳的连衣裙和2000片红色显微镜载玻片的紧身胸衣，随着模特的动作表演发出令人不安的声音。她们的身体借由衣裙之力化身为脉动的乐器，这强化了设计对生命活力的指涉。

Alexander McQueen 2001春夏“VOSS”系列

同样，在Gareth Pugh的2013年秋冬系列中，垃圾袋礼服发出的银色窸窣声，凸显了设计的矛盾特质：既体积庞大迫人，又材质空灵剔透。在这些震撼人心的例子中，声音作为沉浸式感官体验的功能，既模拟了服饰的三维立体感，也触发了直击灵魂的整体穿透力。设计师们所运用的各种听觉意象暗示了声音激发情感、打开人们多重感官体验可能性的力量。

Gareth Pugh的2013年秋冬系列中的垃圾袋礼服

如果说时装秀是持续展示新的着装提案的创造性活动，那么参与评判这些提案的基础工具正是人们的观看行为。这种观看通常是高度直觉性的。

设计师在塑造视觉概念的过程中不断对其进行引导，在观众内心构建其创作体系中最可辨识的签名式特征。面对一场时装秀，当人们观察到激发想象力或探索兴趣的事物时，理念便得以植根。正如激浪派艺术家约翰·凯奇所说：“当你凝视时，思维便进入建立关系的状态。”因此，对时装秀的视觉感知建立于内在之眼中——关乎想象力、发现力以及对设计理念的理解能力。

源自设计师创意头脑的设计理念是如何通过形态与材料之间的复杂关系组织得以视觉化实现，又是如何经由观众对视觉经验进行提炼与延伸，由所见生成为所思？Dries Van Noten在其2014年于巴黎装饰艺术博物馆的展览《灵感之源》中，从起始点与最终结果的二分法中剖析出两种不同的观看形态：材料作为观看的基础催化剂，而观众的感叹则折射出观看的结晶。

Dries Van Noten2014年于巴黎装饰艺术博物馆的展览《灵感之源》

他的2006秋冬系列是其“观看之道”实现的典范——“鎏金”作为核心创作图式在材质和颜色中层层嵌套，完整地传递了设计师的视觉理念与具象化的创意构想。

秀场由夜幕中一道炫目金光的凭空浮现而开启，无数金箔方片连绵铺展，沿中庭延伸成璀璨甬道。模特们行走于金箔碎片扬起的氤氲金雾中，身着饰以金线刺绣纹样、融合东方元素与沉郁剪裁风格的华服，与流光地面形成双重映照。观众得以从金色的视觉主题阐释“鎏金”作为美学目标的复杂材质与形态理念：是某些夹克提花织纹中展现的织造，是金线刺绣实现的绣艺，是铺陈金箔天桥的铺面，是模特行走时扬起金粉的浮尘……蔓延自单品与廓形创造的视觉对比，到系列的整体色彩与材料选择，由此可见其概念体系的复杂性。Van Noten在视觉层面构筑了一幅完整的奢华图景，并在观众的内心深处唤起了珍贵庄重与随性风韵之感。

Dries Van Noten2006秋冬系列

人们普遍认为视觉感知需要明确地基于对客体表象的直观，然而，错视感知（Trompe l'oeils）则开启了另一种可能。它的字面意为“欺骗眼睛”，即通过透视、维度或布局的变化创造光学幻觉的技术；但实践中，其欺骗性往往难以识破——宛如一场精心策划的愚人节玩笑。

其根源深植于艺术史：从文艺复兴与巴洛克时期的画家们在教堂穹顶绘制虚幻天空，到雷内·马格利特在20世纪的伟大实践，艺术家们借此回应着各自时代中科学、宗教变革以及对精湛视觉展示品味所引发的文化焦虑。

天顶画《圣依纳爵的荣耀》

在时尚领域中，面对20世纪初战争与社会动荡留下的创伤，Elsa Schiaparelli以超现实主义作为视觉逃离的出口，在设计中扭曲身体形状，将梦境场景和荒诞元素并置。织有仿围巾领口的毛衣、双面花瓶廓形大衣、点缀红色指甲油的手套……她成功地通过时尚创造出梦境般的视觉体验，让人们能够想象另一个海市蜃楼般的世界。

Elsa Schiaparelli早期的错视蝴蝶结毛衣，© Douglas Pollard/Vogue

1980到1990年代，Jean Paul Gaultier与Franco Moschino更戏谑挑衅地运用此技法，呼应后现代主义的拼贴精神：Gaultier推出仿牛仔皮革纹理印花及著名的“文身”系列，在紧身衣上呈现逼真的刺青与珠宝；Moschino则在“卡通高定”系列中用艳俗印花链条装饰套装，以错视铆钉拉链改造机车夹克。用曾任Gucci创意总监的Alessandro Michele的话说，错视令人痴迷的原因在于它是一种“存在与不存在之间的暧昧性”。

Jean Paul Gaultier“文身”系列

进入21世纪，错视技法已成为时尚界常用的反叛手段。互联网、智能手机、生成式人工智能等新兴技术的接踵而至，不断颠覆人们对真实的信念。在所见非真的时代，这些技术始终影响着设计师们的周遭世界，促使他们更加迫切地通过这一由Schiaparelli植入时尚根基的既有手法来回应这个时代的心理状态。

Miuccia Prada和Raf Simons共同带来的Prada 2025春夏系列以批判自动化算法对当代视觉审美日益严峻的影响为背景，利用错视技法挑战着个体独特性与技术普遍性之间的博弈。从仿皮草印花领口、仿刺绣假领，到用轻质棉布绘制出粗花呢质感的长裤……根据他们在接受《卫报》采访时的阐释，这些细节玩弄的是虚假而非虚构：“本系列服装需仔细观赏，或许会带来惊喜。”

Prada 2025春夏系列中的仿皮草印花领口与仿刺绣假领 

同样深思熟虑的视觉游戏也持续出现在Matthieu Blazy 自2021年接任创意总监以来的Bottega Veneta秀场上。2022秋冬看似普通的棉质衬衫和牛仔裤，2023年春夏如同出自旧货商店的毛衣、格子衬衫和工装裤，2023秋冬的灰色“法兰绒”睡衣和袜子，2024春夏的“芭蕉叶”编织包……这些乍一眼看起来像是基础的日常服饰实则由牛皮制作而成。

Bottega Veneta 2022秋冬系列开场造型中看似普通的上衣与牛仔裤其实都是由皮革打造

得益于这个以皮革著称的老牌时装屋的传统工艺，Blazy试图创作一些不只是超现实，更是超真实的（hyperreal）东西：这些单品或许像超现实艺术一样能够欺骗眼睛，但它们的真实性无法忽视——它们具有奢侈的质感，易于搭配，价格不菲。“这个想法不仅仅在于‘真假皮革’的错视，”Blazy解释道，“它不高喊‘形象’，它传达的是一种只有穿着者才知道的奢华。”时装不是一张张图像：这是秀场的悖论。然而，这种对现实的戏弄拥有着能够让观众的眼睛自愿地步入这场视觉骗局的魔力，使人们在轻松的游戏姿态中审视当下虚实混淆的现状：真与假的界限何在，虚幻止于何处，而现实又从何开始？

正如开篇所提到的，麦克卢汉将媒介理解为人类感官的技术延伸，而服装这种特定的媒介形式延伸了皮肤的触觉。

在这里，“触觉”并未被限定于皮肤的物理接触，而是在感官相互作用下的丰富碰撞，即通往一种深层的联觉。根据麦克卢汉的观点，触觉是最能够触发共通感（sensus communis）的感觉能力。他将触觉定义为第一感官，即其他感官的根基。例如，视觉感官数据由触觉补充，以构成心理图像。

因此，如果说设计师通过时装秀向观众传达了视觉感受，这实际上是基于观众能够在脑海中构建三维形态的触觉记忆。

The Row 2020秋冬系列

为了纪念于2020年2月5日辞世的雕塑大师Beverly Pepper，Ashley和Mary-Kate Olsen在The Row 2020秋冬系列秀场中陈列了这位艺术家以钢铁、泥土与石材创作的雕塑作品。

Pepper善于将粗粝的不锈钢、石材、青铜和铸铁与简单且规则的几何图案融合在一起，创造出兼具元素性和复杂性的多感官空间和触觉体验。The Row本系列的服装设计以流畅线条、宽松廓形与精妙结构为骨骼，中性色系（棕、黑、灰、米白）的精纺羊绒、真丝、棉麻面料为皮肤，让观众直接联想到其柔软纯粹的迷人触感；而点缀其中的纹理罗纹面料使整个系列摆脱刻板平淡，注入恰到好处的轻盈细腻之感。在这个以极简主义著称的品牌秀场空间中，刚硬材质与柔美面料之间产生了强烈碰撞，生成了该系列的核心美学：以标志性的极致简约诠释超脱时髦的都市风貌。

The Row 2020秋冬系列

在现场或屏幕前观看时装秀时，观看者被迫通过眼睛“触摸”，与服装的物质性及其通过材质及纹理刺激身体接触的想象力产生共鸣。

与极简主义品牌对奢华材料的偏爱相反，Martin Margiela在20年的设计生涯中，为自己同名品牌的秀场带来了无数次廉价、废弃材料的高调亮相：用香槟酒瓶塞制成的项链、用胶带粘起来的鞋子和上衣、用一层油漆翻新的服装、用手套和袜子缝制的夹克……在1990年春夏系列中，Margiela让模特们穿着用超市塑料购物袋、PVC干洗袋做成的上衣，踉踉跄跄地走在巴黎郊区一处工人阶级社区的满是石子的泥土地上，展现了与当时巴黎时装周截然相反的一切。这些质感的触觉想象与Margiela在这场秀中蕴含的情感暗示相契合：对儿童般的真实、随性、无视规则的歌颂。在时尚语境内营造一种不和谐感是Margiela的标志性风格，这与他所使用的出人意料的材料和元素直接相关。

Maison Martin Margiela 1990春夏系列呈现出粗粝、不完美的质感

2009年春夏系列，作为Margiela退出品牌前的最后一个秀场，呈现了许多对过往档案的重新诠释。其中的高亮作品是以1995年的假发背心为基础制作的假发大衣，灵感来自于Margiela童年在父母经营的发廊中看到的假发，以及艺术家Meret Oppenheim1936年的超现实主义作品——用皮毛包裹茶杯和勺子。

Meret Oppenheim1936年的超现实主义作品

他选择了廉价的尼龙款式，并大胆地让蕾丝假发帽在大衣衬里下摆处清晰可见；然而，假发有着深色的“发根”，刻意模仿着经过人工染色的天然头发，看起来像是从躯干上长出来的。

Martin Margiela 2009年春夏系列中的假发大衣

面对无论是Oppenheim还是Margiela的作品，观众意识到这个组装物将被用作功能性器具为人使用，其触感的联想令人不寒而栗。此时的Margiela已经厌倦了向人群兜售带来愉悦且舒适的时尚商品，他像先锋艺术家一样选择刻意背离正统的美与吸引力的理念，而他熟练利用的视觉—触觉的联觉条件也在其至今的艺术生涯中延续。

根据哲学家瓦尔特·本雅明的观点，作品的触觉特质是其与观众发生的持续碰撞。它催生了对作品动态的渴求，因为运动本质上是触觉性的，基于焦点的转换而不断冲击着观众的感知。设计师Iris Van Herpen将触觉联想嵌入动态的节奏、信号和波动中，使人们能够以一种极具启发性的方式重新思考具身性的三维空间。

在2013年秋冬高级定制系列秀场中，宛若树根蔓延的磁力礼服随着模特的身体动作而自然流动，充满了生命的美感。复合材料制成的磁性表面具有自然脉络与尖刺纹理，让人联想到如毛皮质地的柔软与如月球表面的粗粝的矛盾触感，并在其沿着身体生长的过程中得到强化。名为“催眠”的2019年秋冬高级定制诠释了大脑在意识与潜意识世界交替的运作机制。

Iris Van Herpen 2013秋冬高级定制系列中，礼服随着模特的身体动作而自然流动 

一件斗篷裙上数千个波浪切片随身体移动变形，如万花筒图案产生了视错觉，并在触觉层面使观众体验到身体与服装之间界限被消解的幻觉；另一件礼服上数百片黑色丝绸以逆流方向手工缝合，使观众感受到仿佛涓涓墨水流经身体的梦境之美。正是这种对触觉的雕琢与对遐想的探索，让Van Herpen的设计消融了感官边界，打开了超越日常思维的深度状态，让观众触及理性思考无法抵达的、更深层意义的现实。

正如时尚体系建立在品味这一原则之上，饮食体系则是对味觉的培养——两者都与判断力高度相关。作为在审美体验中诉诸更丰富感官的代表人物，波德莱尔在写作中经常使用味觉作为隐喻，这是他拓展与增强体验、创造感官连贯性与通感的重要手段。历史上，食物的意象在艺术批评中的多重演绎表明，味觉已逐渐融入美学沉思的范畴。

在时尚领域中，从各大品牌时装秀后的晚宴餐食，到时装设计频繁出现的食物元素，味觉既是物质的，也是形而上的。此二重意义最有趣的融合案例是Jean Paul Gaultier于 2004年在巴黎卡地亚当代艺术基金会举办的名为“Pain Couture”的特别展览。

Jean Paul Gaultier用各式形状和大小的面包与柳条编织篮制作的介于装置艺术和高级定制礼服之间的作品 

他用各式形状和大小的面包与柳条编织篮制作了一套套介于装置艺术和高级定制礼服之间的作品。利用“Pain”这个词语在法语中作为面包、在英语中作为痛苦的双关意，Gaultier讽刺性地呈现了他职业生涯中最具瞬时特质的系列：由水、面粉、盐与酵母这些原始材料制成的面包，其保质期只有短短几天。

新鲜烘焙的粗粮面包、纤长法棍、黄油可颂、手指饼干制作成晚礼服、胸衣、高跟鞋、长靴、手袋、雨伞，构筑了一个幻想之境，有力地联结了法国两大标志性文化符号——时尚与美食。Gaultier认为，佳肴与华服的共同点在于它们唤起的味觉和视觉体验皆为人带来愉悦，但这些感觉转瞬即逝，且背后历经了不着痕迹的艰辛工艺。

Jean Paul Gaultier用各式形状和大小的面包与柳条编织篮制作的介于装置艺术和高级定制礼服之间的作品 

这些作品由Gaultier与面包师们耗时数月创作。他们坚持只使用新鲜可食用的发酵面包，因此，场馆地下室设置了烘焙坊，在四个月展期内持续更新展品的部件并向观众出售。宾客们挑剔的时尚品味和美食味蕾得到了极大的满足——他们细品着黄油香气浓郁、口感轻盈美妙的面包，沉浸于Gaultier和面包师们共同创造的童话世界中。

值得注意的是，消费主义一词最早源于饮食的概念，而现已成为批评家们审问时尚行业的高频词。食物与时尚在“品味”概念上交汇，折射出当代社会的消费文化。正如现代经济学家常以食欲隐喻物质欲望——后者以一日三餐般的频率不断再生，这种对满足味蕾的无尽欲望被移植到时尚商品，令人们持续渴求更多。2014年，Jeremy Scott在Moschino担任创意总监的首秀将高级时装与快餐文化并置，打破了高雅品味与通俗味蕾的界限。

2014年秋冬系列中，Jeremy Scott在Moschino担任创意总监的首秀将高级时装与快餐文化并置 

他将麦当劳和Moschino两个品牌标志性的“M”字符融合成印在服装上的图像，并引入了前者最具代表性的薯条、饮料杯、儿童套餐盒等包装形象。Scott的本意是对消费主义下的浪费现象进行批判，但他也激活了观众对这些快餐食品的味觉感知。仅仅是食物的图像或暗示就能通过触发味觉记忆来引起本能的反应，这使得时尚中的食物图像成为一种强大的刺激物——这些印有麦当劳产品图像和形状的时尚单品很可能在许多观看者眼中激起了渴望之情。

2014年秋冬系列中，Jeremy Scott在Moschino担任创意总监的首秀将高级时装与快餐文化并置 

每一位设计师都有某些感官偏好，许多经典秀场也会意外地激发观众的多重感官联想。麦克卢汉式的冥想将五感看作一个复杂且多变的宇宙，提供了一种看待时尚的动态解读方法论，强调视觉、嗅觉、听觉、触觉、味觉之间的辩证相互作用。对于同一场秀，感官体验的比例也会因参与个体、时间、空间而改变，从而打开了多元的诠释潜能。

如果这种潜能时常刺激着我们对时装秀的兴趣，那是因为麦克卢汉感官隐喻的流动性至关重要。这一系统的魅力在于，正如麦克卢汉曾打趣道：“如果一成不变，它就过时了。”

文章来源：GLASS Official