西岸艺博会远不只是一场艺术品的“展销会”。它通过多维度、结构清晰的单元设置，将顶尖艺术品交易、前瞻性设计理念与实验性艺术形态有机融合，构建出一个完整而自洽的艺术生态系统——在文化与商业之间，找到了那个珍贵而精准的平衡点。

在第12届西岸艺术与设计博览会开幕之际，“BAZAAR Art时尚芭莎艺术”提前为你整理好了这份观察笔记，请带着它去感受上海艺术与设计的趋势风向标。

和本届艺博会一同开幕的西岸国际会展中心成为上海全新艺术地标。

西岸艺术与设计博览会的魅力，始终根植于其“艺术与设计”并行的核心主张。在此，“画廊单元”与“design / delight 设计平台”如同驱动艺术生态运转的双引擎，不仅引领着当代艺术的收藏趋势，更潜移默化地影响着我们日常生活空间中的美学感知。

细观“画廊单元”的阵容，你会发现它俨然是一份关于全球艺术市场结构的详尽报告——既反映市场格局，也预示创作风向。通过持续参与的业界标杆与首度亮相的新锐力量，西岸艺博会构筑了一个兼具专业深度又充满张力的多元艺术现场。

来自22个国家、48座城市的近200家顶尖机构，共同构成了本届艺博会的核心阵容。其中，30家首次参展的画廊，象征着全球艺术版图在中国市场的进一步扩展，也印证了成熟的亚洲艺术市场，对更具思辨性、更多元化声音的迫切需求。

2025年，豪瑟沃斯（Hauser & Wirth）、白立方（White Cube）、MASSIMODECARLO、纽格赫姆施耐德（neugerriemschneider）、Thaddaeus Ropac和香格纳画廊（ShanghART Gallery）等顶级机构持续在场，不单单是西岸作为全球艺术枢纽的品质背书和持续动能，更是艺术资本对亚洲市场投下的一张分量十足的“信任选票”。

豪瑟沃斯（Hauser & Wirth）的艺术家名单，则一如既往地星光熠熠，像是一份当代艺术的权威“必读”清单：康多（George Condo）、布尔乔亚（Louise Bourgeois）、霍尔泽（Jenny Holzer）、李昢（Lee Bul）、奥特罗（Angel Otero）和辛格（Avery Singer）等，体现了这家画廊在横跨当代和现代艺术谱系上的广泛覆盖与控制力。

其中，瑞士艺术家帕蒂（Nicolas Party）创作于2024年的《章鱼》，是他持续探索海洋生物主题的最新证明。这件作品以其标志性的柔软粉彩描绘在亚麻布上，那大胆的用色和超现实的画风，有力地彰显了顶级画廊对于持续推动当代绘画边界的野心。

尼古拉斯·帕蒂《章鱼》，2024，软粉彩亚麻布，140.1 x 100.1 厘米 / 55 1/8 x 39 3/8 英寸。

白立方，其展位阵容充分展示了作为全球最具影响力画廊之一的硬实力与多元性。展出的核心艺术家包括巴塞利兹（Georg Baselitz）、赫斯特（Damien Hirst）、休姆奥（Marguerite Humeau），以及我们熟悉的中国艺术家刘韡。巴勒斯坦裔英国艺术家哈透姆（Mona Hatoum）的装置作品《发丝项炼（银）》依然是引人深思的瞩目焦点。她将自己“现在已经很多了”的银色发丝卷起，开玩笑地说，以此制成了一条粗犷的球状项链。她表示，这件作品反映了她“提升”发丝地位的方式，将其从单纯的材料转化为珠宝。

白立方也将目光聚焦于中国艺术家刘韡的全新作品《生存2024二号》。这件由多重渐变色碎片平面构成的绘画，凭借其破碎且高度几何化的视觉语言，清晰地呼应并延续了艺术家长期以来对中国狂飙突进的工业化与城市化进程的深入关注。

刘韡《生存2024二号》，2024，布面油画，150 x 150 cm | 59 1/16 x 59 1/16 in. ©Liu Wei 摄影： ©White Cube (Theo Christelis)。

Damien Hirst，Kitten White，2016，家用光泽涂料涂在画布上，122 x 122 cm | 48 1/16 x 48 1/16 in. 由Prudence Cuming Associates Ltd. 拍摄 ©Damien Hirst and Science Ltd. All rights reserved, DACS 2025。

作为中国成立最早的当代艺术画廊之一，香格纳画廊深耕近30年的历史，已是中国当代艺术史和市场走向成熟的有力佐证。香格纳这次展出的许多艺术家，与画廊的合作年限已超过20年，鲜明地体现了香格纳对本土艺术家坚守的“长期主义”。本届展会，画廊呈现了涵盖老中青三代艺术家的作品，包括李山、张恩利、杨福东等。其中，李山的《苏美尔徊响 IV》（2025年作），流露出艺术家对北纬35度地球带上“神迹地带”的持续关注，以及那充满智慧却又带有一丝无奈的情绪。

李山《苏美尔徊响 IV》，2025，布上丙烯，185(H)*185cm，致谢香格纳画廊提供。

纽格赫姆施耐德（neugerriemschneider）的展位，则将我们的视线从内在哲思引向宏大的外部世界。他们展出埃利亚松（Olafur Eliasson）的作品，这位艺术家长期致力于艺术与科学、环境议题的跨界结合。他利用彩色玻璃、银和浮木等材料，将晦涩难懂的科学数据和迫在眉睫的气候变化议题，巧妙地转化为观众可感知、可触摸的美学体验。这些作品，更强有力地证明了艺术对时代议题具有不可或缺的干预力量。

奥拉维尔·埃利亚松《既非/亦非与不确定感的广阔性》，2025，111 x 161 x 13 cm，彩色玻璃（粉色渐变，蓝色，黄色渐变，浅黄色，浅蓝绿色，绿色渐变），银，浮木 ©Olafur Eliasson 由艺术家及neugerriemschneider提供，摄影：Jens Ziehe, Berlin。

奥拉维尔·埃利亚松《减弱的大西洋环流》，2025，107 x 80 x 14 cm，彩色玻璃（黄色渐变，浅黄色，蓝色渐变），银，浮木，©Olafur Eliasson 由艺术家及neugerriemschneider提供，摄影：Jens Ziehe, Berlin。

塔迪乌斯·罗帕克画廊（Thaddaeus Ropac）则聚焦于一场跨越半个世纪的艺术史对话，囊括了巴塞利兹、荣格维尔特（Martha Jungwirth）、严培明、Not Vital 等重要艺术家。今年的核心，无疑是以劳森伯格（Robert Rauschenberg）的作品为中心，致敬这位艺术家的百年诞辰，同时呼应了 M+即将于2025年11月22日开幕的“罗伯特·劳森伯格与亚洲”大展。Ropac呈献的劳森伯格《中国夏宫习作》作品集（Study for Chinese Summerhall portfolio，1983），收录了艺术家1982年首次访华期间拍摄的十张彩色照片。其他亮点还包括 Not Vital的不锈钢雕塑《月亮》（Moon，2024）等作品。

Robert Rauschenberg，Not Vital，Moon，2024，Stainless steel，165 x 165 cm (64,96 x 64,96 in) (NV 1402)。

MASSIMODECARLO的展位集中展示着其代理的全球知名艺术家，包括严培明、Mimmo Paladino、Tomoo Gokita 等。尤其引人注目的是严培明的巨幅画作《李小龙》（Bruce Lee，2007），作品以他标志性的深红主调和充满爆发力的笔触，呈现这位跨文化偶像的肖像。

此外，还带来了卡特兰（Maurizio Cattelan）的《完美的一天》。这件作品记录着卡特兰在1999年米兰画廊的开幕式上，用胶带将画廊主Massimo de Carlo本人粘在墙上的行为艺术。画廊主作为“中间人”被荒诞地转化为待售的“艺术品”，这一举动毫不留情地暴露和质疑了艺术市场的权力关系。20年后，当卡特兰再次使用胶带将一支香蕉贴在墙上时，那件作品迅速成为全球最昂贵的香蕉，最终还被吃掉，这进一步巩固了卡特兰颠覆和反讽的“恶名”。

莫瑞吉奥·卡特兰《完美的一天》，1999，258 x 192 厘米，铝板装裱面静电印刷画 ©图片由艺术家和MASSIMODECARLO画廊提供。

北京公社的参展是其国际化策略中对上海这一文化生态的一次重要“信任投票”。创始人冷林将这次上海首秀视为对中国当代艺术未来新方向的探索与押注。他们携带张晓刚和王光乐的作品亮相，精心设计的展陈空间更是打破了传统的展位模式，旨在通过作品的并置与对话，呈现出深具启发性的“层次感”，即从张晓刚所代表的对集体记忆和历史叙事的沉重描绘，转向王光乐对艺术本体、时间和创作过程的深度内省。

梁硕《买后母蓝29》，2025，木板丙烯，60 x 30 cm，版权归北京公社及艺术家所。

卡比坦·派策（Capitain Petzel）是由科隆和纽约画廊联合创办的柏林机构。其亚洲代表赖玉嫣表示，他们的目标非常明确：希望加深和亚洲艺术领域、市场的交流。他们带来的阵容横跨老中青三代，体现出一种鲜明的“柏林式视角”，涵盖了从去年代表德国参加威尼斯双年展的Yael Bartana，到国际知名的多媒体艺术家Monica Bonvicini，再到艺坛新星Jack O’Brien。此外，还有不断拓展绘画定义的艺术家，如谢南星和Sanya Kantarovsky。

Yael Bartana，Light to the Nations – Generation Ship，2024，57 × 85 cm，3D打印、不锈钢、PETG（热塑性聚酯）、PA12（尼龙聚合物），配镜面底座，致谢艺术家及柏林卡比坦·派策画廊 © Yael Bartana 摄影：Marjorie Brunet Plaza。

谢南星，借用的匣子 No.3，2025，150 × 150 cm，布面油画，致谢艺术家及柏林卡比坦·派策画廊 ©谢南星（Xie Nanxing）。

Jack O'Brien，Fuel II，2025，160 × 100 ×  50 cm，地铁窗、钢球、亚克力塑料与喷漆，致谢艺术家及柏林卡比坦·派策画廊 ©Jack O’Brien 摄影：GRAYSC。

在“视角”（Perspective）单元中，纽约保拉·库伯画廊（Paula Cooper Gallery）带来的特别项目，具有格外厚重的历史质地。这家传奇画廊首次亮相国内艺博会，即以“回顾六十年、七百二十场展览”为主题，向中国观众呈现了一份跨越半世纪的西方当代艺术史档案——在追逐前沿的语境中，提供了一份必要的历史参照。

为何选择以这种“史诗式回顾”作为亚洲首秀？画廊总监庄楷指出，他们始终更关注艺术家本身、其创作脉络与职业发展，而非仅仅销售作品。她认为，一个画廊的价值不仅在于呈现作品，更在于与艺术家建立起长期、稳定且深度的“承诺”关系。

庄楷透露，其代理的艺术家大多与画廊合作数十年。其中，马克·迪·苏维罗（Mark di Suvero）甚至在1968年画廊正式成立之前，就已与创始人展开合作。值得一提的是，苏维罗1933年出生于上海，战后移居美国，除其雕塑作品外，本人再未回到中国。

正是这一跨越时空的背景，让他的作品此次出现在上海黄浦江畔，格外触动记忆的神经。我仍清晰地记得，初次邂逅他那庞大的钢铁雕塑，是在美国蒙大拿州一片偏远而开阔的山丘之上。如今，在繁华、充满张力的上海再次与之相遇，形成了一种巨大的、富有诗意的时空反差！这不仅是作品的展示，更是一段关于“承诺”的具身历史。

Mark di Suvero and Paula Cooper standing on Greenpoint (destroyed)，1967，图片致谢Paula Cooper Gallery, New York 摄影: Barbara Willa Brown。

马克·迪·苏维洛《拥抱》，2011 年，西岸美术馆北广场 ©Mark di Suvero and Space C.C.，由 SUSAS、西岸美术馆与保拉·库伯画廊惠允 摄影：Lawrence Lu。

设计，是艺术界对生活最直观、最有力的回应；而“design / delight”设计平台，正是这一时代性回应的核心场域。今年，该平台由蔡惠真 (Yoko Choy) 策展，主题定为《触感未来》 (Tactile Futures)。尤其令我振奋的是，《触感未来》拓宽了“收藏”的边界，不再仅限于名画或雕塑，更关乎我们选择将何种深刻的思考与核心价值观融入日常。这个平台专注于可被珍藏的设计与功能性艺术，巧妙地汲取亚洲设计师的智慧，将艺术的触角深植于生活方式，并勇敢地触及当代社会的症结与痛点。

在这里，一群具备前瞻视野的设计师，正通过材料与形态的革新，向环境、可持续发展等当代最迫切的议题致敬。

我们不妨将目光锁定在这股势不可挡的亚洲前瞻力量上。首先，“可持续性探索”无疑是当下设计师面对的最紧迫的道德与实践议题。WKND Lab（全垠祉、李河潾）的《HUI 凳》利用牡蛎壳、聚合物等再生废弃材料进行创作，将本应被丢弃的残渣，转化为具有强烈雕塑感的家具精品。同样，日本设计师太田琢人（Takuto Ohta）的《无名之材》系列作品，也将焦点投向了那些被忽视的日常“垃圾”。

WKND Lab，《HUI 凳》，2025，牡蛎壳，聚合物，50 cm x 46 cm × 25 cm ⒸWKND Lab。

太田琢人 Takuto Ohta，《无名之材》，2022，塑料容器，尺寸不同  ⒸTakuto Ohta。

“极简与功能”的交汇，则强调了设计的纯粹性与诗意。设计师蔡烈超的《火花（落地灯版本）》，以其精练的线条与光影的对话，清晰地探讨了功能与艺术的微妙边界，展现了亚洲设计在当代语境下，对“少即是多”这一永恒准则的独到且成熟的理解。

蔡烈超《火花（落地灯版本）》，2024，黄铜、亚克力、LED，250 cm x 110 cm x 7.5 cm Ⓒ蔡烈超工作室  鸣谢：COLLECTIONAL。

“材料本源”则将我们带回到手工的内在价值。MULTISTANDARD的《斫木 001》通过对天然日本柏树的精确切割和塑形，追溯了材料本身的哲学与手工艺的重量。

MULTISTANDARD《斫木 001》，2021，日本柏树，55 cm x 23 cm x 23 cm ⒸRyota Akiyama 鸣谢：MULTISTANDARD。

新落成的西岸国际会展中心最大的优势在于容纳了画廊展区，这使得西岸艺术中心释放出超大空间，成为当代艺术实验的自由舞台。“现场”（Xiàn Chăng）单元正是对此空间优势的理想回应，它突破了传统展位限制，专为大型装置、史诗级作品和表演艺术提供展示平台。

在近四十组受邀者中，香格纳画廊带来的胡项城个人项目“陌生者的行程II”尤为引人注目。该展览是胡项城 2007 年同名个展的第二部，汇集了他自上世纪九十年代至今的绘画、雕塑及大型装置，作品持续追问我们如迷宫般的日常穿梭旅程，创造出“奇异（陌异）”的形象，展现一种被比作浪漫主义诗人所拥有的“自然涌现”的力量。

胡项城的创作根植于世界变迁，“陌生者的行程”不仅源于他早年在西藏和非洲作为“异乡人”的艺术活动，也与资讯爆炸、人机边界模糊、以及人类探索宇宙等当代背景紧密相关。

回归上海后，他深感城市多元文化的价值，因此展览使用毛竹排与钢铁脚手架代替标准白墙。胡项城部分作品取材于周遭环境，如废弃的门窗和艺术废料，他的创作循环地建构与重组个体与城市的更新，引领观者在穿梭于过去与现在、地域与文化之间的“陌生者的行程”中，探索更遥远的风景。

另一位值得关注的艺术家是露西艺廊代理的余晓，她的作品《海拔》（Elevation, Rev.2025）灵感来自十多年前关于画家村“复制艺术品”的讨论，艺术家将原作和自己制作的复制品背对背悬挂起来，这种跳脱传统的展示手法，旨在质疑绘画界固有的阶级体系。

在我们生活被各种复制行为占据的当下，作品迫使人们思考：原创与再生的价值究竟在哪里？ 它同时邀请观者反思自己的观看行为：是被动接受信息，还是主动发问探索？是看见表象，还是内心？这套装置摆脱了传统绘画的严肃性，将绘画的精致与工业框架的粗犷并置，从矛盾中创造出一种解放性的松弛感，为观众提供一个能够亲身参与的沉浸式观看空间。

余晓，海拔 Elevation, Rev.2025，亚⿇布丙烯画，19 幅尺⼨各异的双⾯画作（⼀⾯为原作，背⾯为其复制品, 具体尺⼨:100x120厘⽶x3件；100x160厘⽶x 2件；100x100厘⽶x 14件），⼿⼯制作的不锈钢⼏何形物件 (236x123x65厘⽶，不锈钢⼿⼯制作)，2幅单⾯画作（200x200厘⽶x 2件），以及脚⼿架。⾼8.8⽶，占地11x11⽶，安装尺⼨，⽅式可因地⽽变。

西岸艺博会之所以能被视为一个完整的艺术生态系统，正是因为它不仅仅聚焦于市场前端的交易，更在于它提供了全面的辅助支持和多元的文化交流平台。

在“视角”（Perspective）单元中，视野进一步拓展至更广阔的跨地域多元文化——从斯沃琪和平饭店艺术中心的驻留艺术家群展，到聚焦越南、西班牙等地的独特视角，让我们能在一个屋檐下瞥见全球艺术的多样面貌与思想交锋。

而在跨媒介领域，“DREAM”动态影像单元则彻底打破了传统展陈的边界。它将于西岸梦中心GATE M的梦工厂与船坞空间，借助大型水幕呈现跨媒介创作，将科技与艺术的结合推向宏大的公共视野。这一系列场馆联动与多元议程的设置，结合dunhill呈现的“西岸之声”论坛所带来的智识交流，以及首席合作伙伴瑞银集团（UBS）的持续支持，共同构筑了一个超越艺术品销售的、持续生长的文化发生器。

斯沃琪和平饭店艺术中心的驻留艺术家群展©斯沃琪和平饭店艺术中心。

GATE M 西岸梦中心-梦工场

西岸已崛起为引领中国当代艺术风向、兼具系统视野与前瞻力的关键平台。在此，艺术、设计、思想与市场深度交织，形成推动上海成为全球艺术心脏地带的磅礴之力。

文章来源： 时尚芭莎艺术