>《The Bleeding》，Robert Wun2023春夏高定系列，设计：云惟俊

前不久，一场名为“服装艺术”（Costume Art）的重磅展在纽约大都会艺术博物馆开启，这场展览因为是2026年大都会艺术博物馆服装学院慈善晚宴Met Gala的关联展览而备受关注。今年Met Gala的着装要求是 — “时装即艺术”（Fashion is Art），到场嘉宾将通过着装来表达自己对时装作为具身艺术形式的理解，致敬艺术史上无数关于着装身体的经典作品。“服装艺术”展旨在探讨身体在着装中的核心地位，从大都会艺术博物馆的庞大收藏中精选近400件服装作品与艺术品，将二者并置，相得益彰，来展现服装与身体之间的密切关系，也把身体的艺术表现与作为具身艺术形式的时装关联起来，揭示这二者之间错综复杂的互动关系。

> 著名时尚摄影师伊桑·詹姆斯·格林（Ethan James Green）为美版VOGUE杂志拍摄的本次展览大片。画面中，模特阿什利·格雷厄姆（Ashley Graham）、巴维塔·曼达瓦（Bhavitha Mandava）、德文·加西亚（Devyn Garcia），三人在大都会艺术博物馆化身三位女神。阿什利身着Di Petsa 品牌礼服，尽显希腊风情；巴维塔与德文分别身穿 ToryBurch、Michael Kors系列服饰，款式效仿古希腊基同长袍，塑造出古代战车御者的形象

大都会艺术博物馆服装学院策展人安德鲁·柏顿（Andrew Bolton）以“身体类型学”（typology of bodies）为概念策划本次展览。他把展品按照身体类型大致分为三类：第一类是在博物馆艺术作品中普遍展示的身体类型，如“裸体身体”（Naked Body）和“古典身体”（Classic Body）；第二类是在传统时尚中被忽略或边缘化的身体类型，如“孕妇身体”（Pregnant Body）和“老年身体”（Aging Body）；第三类是其他身体类别，如“解剖学的身体”（Anatomical Body）和“凡人之躯”（Mortal Body）。展览探讨服装与身体的关系，挑战传统时装展中只是把服装作为“视觉呈现”而非“穿着体验”的观念。所有展品都将被放置在展台上进行展示，以表示艺术品类型与身体类型之间的对等性，强调展览对服装具身体验的关注。展示人台配置的头部由美国跨学科视觉艺术家萨玛尔·海贾齐（Samar Hejazi）设计，通过人台上抛光钢制头部的镜面反射，观众可以在身体类型和服装中看到自己的映像。

> Maison Margiela2020-2021高定系列，设计师：约翰·加里亚诺（John Galliano）

>《蒙面女子》，艺术家：拉斐尔洛·蒙蒂（Rafaello Monti，1818–1881），1854年

在大都会艺术博物馆中，每个展厅都存在着表现“着装身体”的艺术品，因此服装成为连通博物馆所有不同主题展厅的纽带。服装学院的古代服饰与当代服饰被置于五千年艺术史的语境中，与来自大都会艺术博物馆其他16个展陈部门的各历史时期艺术品同台展示，凸显着“时装身体”在大都会艺术博物馆藏品中的核心地位。展陈方式以相互关联的时装作品与艺术作品成对呈现的形式，实现服装作品与艺术史中的经典作品之间的跨时空对话。“我想从时装的视角来审视艺术。”策展人安德鲁·柏顿解释道，“我希望这些展品的配对原则，或形式相似，或概念一致，或严肃，或幽默，或深邃，或轻松。当你将一件服装与一件艺术品并置时，会衍生出新的内涵和变化。我想聚焦于此，这就像一加一大于二……”

>《蛇形动态构图 I》，艺术家：让·阿尔普（Jean Arp），1950年

>《娜娜与灵蛇》，艺术家：妮基·桑法勒（Niki de Saint-Phalle），1992年

在展示第一类身体类型的作品中，西班牙设计师马里亚诺·福图尼 (Mariano Fortuny）在20世纪20年代设计的德尔斐裙（Delphos），与来自公元前5世纪晚期古希腊胜利女神的陶土小雕像，以图片叠加拼贴的形式一同展出。德尔斐既是希腊的地名，也是古希腊神话中阿波罗的儿子。德尔斐裙的设计灵感源于古希腊文化，有着古希腊服饰一样的细密褶皱和流畅线条，简洁优雅，与胜利女神身着的古希腊服饰相呼应。意大利裔比利时时装设计师安东尼·瓦卡莱洛（Anthony Vaccarello）在2024年为圣罗兰（Saint Laurent）品牌设计的高弹透视连衣裙，完美诠释了“服装是第二层皮肤”的穿衣哲学，与约公元前14世纪的古埃及浮雕《乐器舞者》（Dancers with Instruments）形成呼应。浮雕上的舞者身着透明纱衣，勾勒出女性的曼妙身体曲线。德裔法国艺术家让·阿尔普（Jean Arp）创作于1950年的有机抽象雕塑作品《蛇形运动中的构图I》（Configuration in Serpentine Movements I），与荷兰先锋时装设计师杜兰·兰廷克（Duran Lantink）设计的连衣裙并置。杜兰·兰廷克以雕塑化的体量感重构服装与身体的关系，其作品的大胆前卫也引发争议。这件惊世骇俗的连衣裙腰身处夸张的波浪曲线与雕塑圆润起伏的轮廓，形成对自然有机形态的共同探索。

>《扭曲》，设计师：米凯拉·斯塔克（Michaela Stark）

> Yuima Nakazato2024-2025秋冬高定系列，设计师：中里唯马（Yuima Nakazato）

在展示第二类身体类型的作品中，身怀六甲的模特阿杜特·阿切克·比尔（Adut Akech Bior）穿着罗意威（Loewe）的时装，红色连衣裙毫不掩饰她因怀孕而隆起的腹部，与大都会博物馆馆藏的日本19世纪明治时期的葫芦形竹编器物，一同唤起观众对于孕妇身体的共同意象。英国设计师乔治娜·戈德利（Georgina Godley）在1986至1987年秋冬推出“凸起与凹陷”（Lumps and Bumps）时装系列中，一款"怀孕"裙（Pregnancy）被收藏于大都会艺术博物馆。其设计灵感源于非洲生育娃娃和女性生育力量，腹部突出的模特身着这款“怀孕”裙，与美国现代主义摄影大师哈里·卡拉汉（Harry Callahan）的摄影作品并置。这是一张双重曝光照片，艺术家通过抽象的光影，让妻子的孕肚看起来如同从太空阴影中浮现出来的星球，一旁是两个月球般的乳房。

在第三类身体类型的作品中，日本当代装置艺术家盐田千春（Chiharu Shiota）2024年创作的作品《在圆中》（In Circles），用纵横交错的红色纤维材料构建出如同人体血管网络系统的肌理，类似的红色血管主题也出现在比利时时装设计师奥利维尔·泰耶肯斯（Olivier Theyskens）设计的黑色连衣裙中。法国解剖学家兼艺术家雅克·法比安·戈蒂埃·达戈蒂（Jacques Fabien GautierDagoty）在1746年创作的《完整肌肉图谱：色彩版，自然尺寸》（Myologie Complette en Couleuret Grandeur Naturelle）中，描绘了一位皮肤被剥离、裸露出肌肉与骨骼组织的女性形象，中国香港时装设计师云惟俊（Robert Wun Couture）和美国时装设计师汤姆·布朗 （Thom Browne Couture）则通过时装作品对人体的肌肉和骨骼结构作出诠释。

> Batsheva2024-2025秋冬系列，设计师：巴特谢娃·海伊（Batsheva Hay）

“人是万物的尺度，是存在者存在的尺度，也是不存在者不存在的尺度。”古希腊哲学家普罗泰戈拉的这一箴言，奠定了西方艺术中“人体”的核心地位。纵观西方艺术史，人体描绘经历了从古希腊罗马时期对完美比例与神性光辉的崇拜，到文艺复兴时期走向解剖学理性的科学实证，最终在当代演变为解构与重组的情感符号及社会观念的载体。在这一演变中，作为具身艺术形式的服装超越了遮体、保暖或社交礼仪的传统功能，将身体、感知、空间与时间融为一体，使服装成为身体感官的延伸与意识的叙事载体。艺术收藏家达莎·朱科娃（Dasha Zhukova）表示：“大都会艺术博物馆的时尚策展理念已经从弘扬美与工艺，发展为探索文化、政治和历史，这已不再是关于‘穿什么’的表象，而是关乎服装如何定义我们的身份。”这场精心策划的“服装艺术”展览与新设计的康泰纳仕画廊，进一步印证了大都会艺术博物馆将时尚视为艺术形式进行展示与鉴赏的愿景。

> Batsheva2024-2025秋冬系列，设计师：巴特谢娃·海伊（Batsheva Hay）

时装是艺术吗？时装是艺术，又不仅仅是艺术。策展人安德鲁·柏顿说：“从某种意义上来说，时装超越了艺术。服装艺术是对人类身体的礼赞，无论这身体优或劣、坚韧或脆弱、完美或残缺、独特或平庸，她是壮美的、玄妙的、璀璨万象的。”

> 展览现场

文章来源：  艺术设计的朋友们