Eunjo Lee作品《Before The Shadow Taught The Sun》（2025）截帧，作品由金匠委任

艺术界始终渴望新的视角与声音。为了判断谁可能成为下一个值得关注的名字，我们邀请了来自全球的四位策展人和四位艺术顾问，请他们各自选出一位他们认为将在2026年迎来突破的艺术家。这些被选中的艺术家所关注的，都是当下最为紧迫的议题——从迁徙与离散身份，到科学、技术，以及我们与环境之间不断演变的关系。在即将到来的不确定一年中，这些艺术家或许能提供尤为富有创造力的洞见。

Bagus Pandega

生于1985年
Bagus Pandega，《Sumber Alam》，2025，图片：Philipp Hänger / Kunsthalle Basel
印尼艺术家Bagus Pandega以其结构复杂、模块化且以植物为基础的装置作品，吸引了长期关注艺术与科技交汇领域的策展人Ulrich Schrauth的注意。Schrauth是汉堡VRHAM!数字与沉浸式艺术双年展的创始人，他最初是在为2025年双年展寻找项目时接触到Pandega的作品的。“这些出众的装置就像是会呼吸的生态系统，同时在物质性、技术乐观主义与生态脆弱性之间展开了细腻的对话，”Schrauth表示。

Pandega出生于雅加达，现居万隆，学习雕塑出身，于2015年获得万隆理工学院（Bandung Institute of Technology）艺术硕士学位。2024年里，他的创作势头明显上升。今年夏天，他在巴塞尔美术馆（Kunsthalle Basel）举办了其在欧洲的首个机构个展，随后在纽约的瑞士学院（Swiss Institute）推出了个展（展至1月4日）。他还由雅加达当代艺术画廊ROH推介，参加了去年六月巴塞尔艺术展的Statements单元。

Schrauth预计Pandega的关注度将在2026年将继续走高。“他的实践将生态与材料政治等机构关注的核心议题，与极具吸引力的技术视角连接起来，而这正是当下美术馆与画廊愈发希望强调的方向。”2026年，Pandega将于1月在新加坡美术馆参加一场双个展，6月在日本直岛新美术馆参加另一场双个展，并于秋季在东京草月艺术基金会（Sogetsu Art Foundation）及ROH举办个展。

Max Hooper Schneider

生于1982年
Max Hooper Schneider，《Falling Angel》，2023，图片：Paul Salveson, courtesy of the artist and François Ghebaly, Los Angeles, New York
伦敦海沃德美术馆资深策展人马容元（Yung Ma）是在近十年前首次接触到了Max Hooper Schneider那些混合了有机与人造材料、“仿佛水族箱般”的作品。她将这些“在视觉上很刺激、却暗藏灾变感”的创作比作微型的舞台布景。

但在这些独特的视觉语言之下，还隐藏着更深层的意涵。马容元指出，Hooper Schneider作品中“鲜明的科幻气质”总会令人联想到《银翼杀手》《阿基拉》等经典电影中描绘的反乌托邦未来，同时“又保持足够的模糊性，让我们得以想象某种新的、或许仍存希望的未来”。

这位出生并工作于洛杉矶的艺术家的跨学科实践融合了艺术、科学与技术，深受其独特背景的影响。他曾在哈佛大学获得景观建筑硕士学位，此前还学习过城市设计、生物学、海洋生物学与昆虫学。他的作品已在全球多地展出，最近一次是2025年秋季在纽约125 Newbury画廊举办的个展“Scavenger”。

更重要的是，在马容元看来，Max Hooper Schneider的作品精准回应了我们所处的时代。“在情感层面，他的创作完美捕捉了我们当下集体性的焦虑状态，呈现出一个尚未被书写的、不确定的现在。”2026年，Hooper Schneider已排定多项计划，包括圣地亚哥Stuart Collection委约的永久性装置，以及在布宜诺斯艾利斯现代艺术博物馆（Museo Moderno）的展览。

Nathanaëlle Herbelin

生于1989年
Nathanaëlle Herbelin，《Le dîner aux absents》，2023，图片：Courtesy of the artist and Xavier Hufkens
纽约艺术顾问Adam Green于2023年在贝浩登、GRIMM与Michael Werner的群展中首次注意到Nathanaëlle Herbelin的作品，随后又通过她在霍夫肯画廊（Xavier Hufkens）的个展进一步了解其创作。

Herbelin出生于特拉维夫，父亲是法国人，母亲是以色列人，2011年起定居巴黎，并于2016年毕业于巴黎国立高等美术学院。她的绘画亲密而克制，折射出横跨两种文化的身份经验。

“我被Nathanaëlle在肖像中所捕捉到的情感诚实度所深深吸引，这种力量会在观者心中停留很久，”Green表示。“这让我想到爱丽丝·尼尔（Alice Neel）揭示人物内在世界的方式。Nathanaëlle同样达成了那种亲密与深度，但她使用的是完全属于自己的语言。”

2025年，Herbelin在巴黎奥赛博物馆以及顺德和美术馆举办个展。她的作品已进入皮诺收藏、Fondazione Sandretto Re Rebaudengo以及阿姆斯特丹市立博物馆等重要的公共与私人机构收藏。Green认为，这位艺术家将在2026年通过马耳他国际当代艺术空间（MICAS）的个展，以及其他尚未公布的博物馆展览，继续稳步上升。“Herbelin的作品才刚开始在全球藏家中获得更广泛的认知，而2026年的展览将进一步确立她作为当代最具潜力的具象画家之一的地位。”

Eunjo Lee

生于1996年
Eunjo Lee作品《Before The Shadow Taught The Sun》（2025）截帧，作品由金匠委任
维多利亚与阿尔伯特博物馆当代项目策展人Carrie Chan长期关注数字领域的新一代艺术家，Eunjo Lee的作品很快吸引了她的注意。

Chan最初是在Instagram上发现这位出生于韩国、现居伦敦的艺术家与电影创作者，并立刻被她“构建起一个新世界、以探索人与非人、物与自然之间生态互联关系的方式”所吸引。她尤其赞赏这位艺术家使用Unreal Engine等游戏软件所创造出的“全新视觉语言”。

Eunjo Lee毕业于牛津大学鲁斯金艺术学院艺术硕士项目，并获得2024年Mansfield-Ruddock艺术奖。2025年对她而言成果丰硕：她在金匠当代艺术中心的机构首展于3月获得积极评价，并于10月在伦敦弗里兹的Focus单元呈现个展。2026年，她将接受Hervisions策展机构的委约，并与Google Arts and Culture Lab合作，为柏林LAS艺术基金会创作新项目。

“尽管作品完全是数字的，但它带来的体验却极具情感性、诗意与冥想性，”Chan表示，“我很期待看到Eunjo如何进一步发展作品的互动性，并探索数字与物理维度的融合。”

Anoushka Mirchandani

生于1988年
Anoushka Mirchandani，《By the Perequê-Áçu》，2025，图片：Courtesy of the artist and Jonathan Carver Moore Gallery
南亚艺术今年在国际艺术界持续升温，旧金山艺术顾问Laura Smith Sweeney特别关注到了Anoushka Mirchandani。这位艺术家出生于印度、现居旧金山，在作品中探讨作为印度移民女性的离散身份与经验，其创作已在美国、印度、欧洲及海湾地区的画廊与艺博会中亮相。

Sweeney去年12月第一次接触到Mirchandani“极具吸引力”的作品，当时艺术家正在纽约Jonathan Carver Moore画廊参加她为期两个月的艺术家驻留项目。Sweeney被Mirchandani对色彩与线条的大胆运用、层层推进的创作方式所吸引，也注意到她如何将人物融入周遭环境之中，并以此处理复杂而深刻的主题。

Sweeney表示：“身体与景观之间的界限在这些作品中被不断模糊，呈现出的画面既私密，又充满梦境般的氛围。”作为美国职业艺术顾问协会（Association of Professional Art Advisors）的执行成员，她同样对艺术家在创作意图上的清晰表达印象深刻，尤其是在探讨移民身份所带来的碎片化自我认同与情感复杂性方面。

Sweeney认为，Mirchandani正站在一次重要的突破门槛上。目前，这位艺术家正在纽约世贸中心参与竞争激烈的Silver Art Projects驻留计划，而她的首次美术馆机构个展也将于1月16日在圣何塞当代艺术中心（ICA San José）开幕。

中原正夫Masao Nakahara

生于1956年

中原正夫，《One day in May》，2024，图片：Courtesy of the artist and Althuis Hofland Fine Arts
“我们近年看到日本艺术家——包括陶艺家、摄影师、雕塑家与画家——受到越来越多的关注，”阿姆斯特丹艺术顾问Marc-Jan Van Laake表示。他将目光投向了现居杜塞尔多夫的日本艺术家中原正夫（Masao Nakahara）。

中原正夫于1956年出生于埼玉，10岁便开始在当地美术班学习绘画。他后来毕业于东京的一所药科大学，并在艺术学校学习油画。但当时以观念艺术为主导的日本当代艺术环境并未给予绘画太多空间。1981年，他前往德国深造，先后就读于布伦瑞克美术学院与杜塞尔多夫艺术学院。然而，在成家后，他转而从事翻译工作，一度中断绘画创作长达20年。

60岁时，中原正夫重拾画笔，并于2021年受奈良美智邀请，参加杜塞尔多夫美术馆的日本艺术家群展。如今，他由阿姆斯特丹Althuis Hofland与伦敦Pippy Houldsworth画廊代理，近年来作品已在伦敦、香港、洛杉矶与迈阿密展出。

“中原正夫将超现实、天真与童稚的风格，与德国表现主义的色彩语言相结合——这显然与他移居杜塞尔多夫后的经历有关，”Van Laake表示，“但他的绘画与雕塑在精神气质上仍然是日本式的。我认为2026年成为他迟来的‘突破之年’。”

Dylan Chan生于1997年
Dylan Chan，《Uncanny Landscapes (till next time)》，2025，图片：Courtesy of the artist
自2023年起担任S.E.A. Focus策展人的新加坡策展人John Tung，一直密切关注东南亚艺术生态中不断涌现的新生力量。其中，他尤其看好新加坡艺术家Dylan Chan，认为其将在来年“从新锐走向不可或缺”。

Chan是一位以摄影与拼贴为主要媒介的艺术家，曾获得多项本区域内的奖项，并入围Sovereign Art Prize等奖项。Tung最初被其围绕“家庭、居住、安全感与人际关系”的创作主题所吸引——这些议题具有普遍共鸣。他还特别注意到Chan对材料的选择，例如东南亚家庭常见的梅兰蒂木材。Chan近期在新加坡Objectifs参与的群展、Islands的个展，以及在曼谷SAC Gallery的驻留经历，都预示着他将在2026年持续发力。他还将随JW Projects参加Art SG，并于明年夏天在新加坡Mizuma画廊的群展中展出。

“Dylan并不是将‘东南亚’作为一个被展示的主题，”Tung指出，“而是让艺术语言从城市的日常质地中自然生长。”他的作品回应了该地区更广泛的问题，包括快速城市化、隐私与邻近性之间的纠缠，以及为实用而建、却承载着记忆与情感残留的空间。

Sarah Martin-Nuss

生于1992年
Sarah Martin-Nuss，《Catalyst》，2025，图片：Courtesy of the artist and Uffner and Liu
出生于德州科珀斯克里斯蒂的Sarah Martin-Nuss是一位跨媒介艺术家，创作涵盖绘画、行为与声音。她于2024年毕业于普瑞特艺术学院，获得绘画与素描硕士学位。去年春天，她在纽约Uffner and Liu画廊举办首个个展“Future Currents”，洛杉矶艺术顾问Cardiff Loy正是在那里发现了她的作品。

Loy对Martin-Nuss以风景为线索、探讨互联性与时间流逝的作品印象深刻。“她的构图中呈现出一种独特而有节奏感的笔触语言。层层叠加的画面通过纹理与色彩的变化，在光线中产生出人意料的效果，”Loy说道，“她的笔触仿佛在画布上起伏流动，使画面表面在特定光线下被激活。”

近期的市场反馈也增强了Loy对其发展的信心。Martin-Nuss的作品被纳入佩斯画廊在洛杉矶的群展“Land Marks”，在她看来是一种重要认可。随着女性藏家在艺术市场中的影响力不断增强，这也为像Martin-Nuss这样的艺术家带来更多机会。“她的作品为这一不断壮大的藏家群体提供了一个极具吸引力的切入点，”Loy表示。
文章来源：artnet中文网

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