丹尼尔·史波利《Prose Poems》，混合材料，69×54.2×36.1cm，1959-1960年 ©TATE
食物除了为人补给营养，也担当着艺术家表达个人思想的载体。如今，单纯临摹食物的风潮已成过往，当代艺术家们的奇思妙想与食物元素碰撞出了全新的火花。今天，时尚芭莎艺术带你一睹为快！
生活感让我们共鸣
丹尼尔·史波利《Kichka's Breakfast I》，混合材料，36.6×69.5×65.4cm，1960年 ©MoMA
艺术家们从不缺少可用来创作的媒材。但有谁能想到，餐桌上人们最熟悉的食物经艺术家之手竟变成了耐人寻味、众人追捧的作品。看似遥不可及的高级艺术通过这种方式联系着普通人的生活点滴。此类艺术品传递的信息或许也因此能影响更多人。
丹尼尔·史波利《Variations d'un petit déjeuner》，混合材料，31×47cm，1966年
拿日常三餐为例，勤（jié）快（pì）的朋友们饭后就要立刻将剩饭和使用过的餐具清理干净。污迹、杂乱对他们来说是制造不适感的罪魁祸首。但同时，狼藉的桌面也是餐后最真实的一幕。新现实主义艺术家丹尼尔·史波利（Daniel Speorri）在创作过程中正好利用了这一点。
丹尼尔·史波利《Tableau Piège》，混合材料，100×100cm，1992年
在他著名的“Snare-Pictures"作品里，史波利将一餐结束后桌上的物品完整地固定在桌面或托盘上，即使是食物残渣也任由它自己分解。然后再把它们挂在墙上，像绘画作品一样展示。违背重力原理的呈现方式和不加修饰的画面给观者带来了不适感。但饱含生活气息的创作元素，也让艺术家尝试溶解艺术和生活界限的初衷被更多人理解。
食物是参与艺术创作的邀请函
里克力·提拉瓦尼 《Do We Dream Under the Same Sky》，2015年，巴塞尔艺术展现场
其实在食物还未被赋予任何象征意义以前，就已经可以成为艺术创作中的重要一环。对于概念艺术家里克力·提拉瓦尼（Rirkrit Tiravanija）来说，分享食物是他艺术创作的第一步。
艺术家里克力·提拉瓦尼在展览现场
在2015年的巴塞尔艺术展中，里克力·提拉瓦尼与两位建筑师、一位厨师合作，打造了一个在竹制顶棚下集植物花园、开放式厨房和公共用餐区域为一体的装置艺术项目，名为《Do We Dream Under the Same Sky》。参访者可以边享受艺术家亲手制作的泰式美食，边参与有关可持续发展、食品供应、建筑设计等话题的讨论。
里克力·提拉瓦尼 《Untitled (free)》，1992年 ©303 Gallery
里克力·提拉瓦尼希望借美食的吸引力为艺术爱好者们打造一个开放友好的社交平台。在这里，来自不同文化背景的参观者聚集在一起，自由讨论各类社会话题。一个由美食贯穿的多元化社交活动，在提拉瓦尼眼中就是一次艺术创作的过程。
里克力·提拉瓦尼 《Untitled (free/still)》，2012年 ©MoMA
他不仅在展馆户外进行美食制作，也是第一位在MoMA展厅内开设咖喱厨房的艺术家。他在挑战着创造艺术的传统方式。提拉瓦尼认为，参观者不仅可以观看艺术品甚至还能创作艺术并成为艺术品的一部分。
食物带着我的态度
安迪·沃霍尔《金宝汤罐头》，丙烯酸涂料和金属瓷漆，50.8×40.6cm，1962年 ©MoMA
当食物只有被食用这一个用途时，它们是中性的，很难触发任何主观情感。在艺术家对它们进行二次创作后，作品中的食物才能真正成为传递信息的媒介。
大家熟知的波普艺术家们就很擅长以流水线生产的食物为创作对象，唤起人们对当下商品文化的关注。此外，还有许多当代艺术家在以自己的方式用食物作品展现个人的态度和思考。
Peter Anton《Devine Donuts》，混合材料，68.58×91.44×15.24cm，2014年
美国艺术家Peter Anton被称为“糖果沃霍尔”。在他众多的沉浸式艺术展中，巨大的食物雕塑让人们不得不关注这些平时会被一口吞掉的小东西，并去追溯与食物有关的人生记忆。
Peter Anton《Sugar Madness - Cherry Pie》，2017年
Peter Anton "Sugatatrium" 展览现场，2017年
他的装置艺术展“Sugatarium"就引发了人们对自身与甜食关系的思考。当我们沉溺在糖带来的满足感时，也在不知不觉间对甜食产生过度依赖。墙上被放大百倍的奶油蛋糕和巧克力兔子，不断提醒着观者甜食带来的幸福与恐慌感。
艺术家Keith Magruder @Mark Dektor
Keith Magruder《The Popsicle Room》，装置艺术，Museum of Ice Cream
同样利用甜食触发人们有关食物记忆的还有美国艺术家Keith Magruder。在位于洛杉矶的冰淇淋博物馆（Museum of Ice Cream），他的冰棒雕塑就是对自己童年美好畅想的再现。艺术家在为儿时的自己打造一个奇幻世界，也想让参观者们重拾孩童的趣味。
Mar Cuervo《Destroyer》，2016年 ©designboom
然而在对甜食的态度上，并不是所有艺术家都像以上两位一样。对于美国艺术家Mar Cuervo而言，粗暴地将由看似坚固表壳包裹着的柔软甜食毁掉，无不宣扬着她的反抗。
Mar Cuervo《Destroyer》，2016年 ©designboom
艺术家用自己的泄愤行为对抗着这个世界对愤怒情绪的恐惧和对完美状态的过度迷恋。她认为人们时常会压抑愤怒，因为这是一种不被提倡的负面情绪。但即使是被压抑的愤怒也是我们不可否认的强烈感受。释放愤怒、接受不完美、然后做出改变，是Cuervo借摧毁甜品喊出的内心宣言。
玛丽莲·明特《100 Food Porn #9》，瓷漆于金属牌，61×76.2cm，1989-1990年 ©Brooklyn Museum
此外，不少女性艺术家也在利用食物的象征意义表达自己对女权的看法。美国艺术家玛丽莲·明特（Marilyn Minter）通过描绘带有性暗示的食物画面，大胆地挑明广告和时尚界对女性身体的商品化宣传，并让观者直视内心暗藏的窥视欲望。
玛丽莲·明特《100 Food Porn #86》，瓷漆于金属牌，60.9×76.2cm，1990年
玛丽莲·明特《100 Food Porn #50》，瓷漆于金属牌，60.9×76.2cm，1990年
同样，摄影艺术家辛迪·舍曼（Cindy Sherman）在创作时将食物元素与她有关社会对女性身材期待的思考联系在一起。高热量食物、排泄物、呕吐物似乎在暗示着女性向男权社会中女性美标准的靠拢以及对自身天然状态的排斥。
辛迪·舍曼《Untitled #190》，彩色照片，248.92×185.42cm，1989年
由此可见，食物在当代艺术中扮演着可塑性极强的角色。除了食物本身，制作、分享食物的过程乃至食物的残渣都可以作为艺术创作的契机。艺术家们以食物元素为突破口，不断挑战着定义艺术的标准，刷新着当代人对食物和艺术的认知。
原创：栗子
文章来源： 时尚芭莎艺术微信公众号
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