告别宏大叙事的喧嚣，2026年的威尼斯按下了“静音键”。在“小调”的旋律中，全球艺术家正回归手作与内心。

当时间跨入2026年，第61届威尼斯双年展的面貌已逐渐清晰。在已故策展人 Koyo Kouoh 定下的总主题 “In Minor Keys”（小调）之下，今年的国家馆不再是激进的政治战场，而是转向了更内省、更微观、甚至更纯粹的时刻。

除了大家熟知的欧美大牌，今年有许多长期隐居、或在非主流视野中的艺术家走向台前。在威尼斯的喧嚣到来之前，我们特别甄选了11位最具代表性的参展艺术家，从隐居荒漠的雕塑家到秘鲁丛林的织造者，带你提前聆听他们独特的“小调”。

卢贝娜·希米德（Lubaina Himid）

英国馆代表艺术家

卢贝娜·希米德。摄影© 玛格达·斯塔瓦斯卡

图片由艺术家和伦敦Hollybush Gardens画廊提供

卢贝娜·希米德出生于1954年，是2017年特纳奖得主，也是该奖项历史上首位获奖的黑人女性。作为“黑人艺术运动”的先驱，Himid 的特别之处在于：她从不通过愤怒或悲惨的图像来表达抗争。

“卢贝娜·希米德”展览现场图，UCCA尤伦斯当代艺术中心，2025

图片由UCCA尤伦斯当代艺术中心提供，摄影：孙诗

相反，她的作品充满了色彩、图案与“日常的戏剧性”。她擅长制作巨大的彩绘剪纸，将展厅变成一个舞台，邀请观众走进那些被主流历史遗忘的黑人生活场景中。

卢贝娜·希米德，《金钱的命名》，2004，10个人形立牌，尺寸可变

由艺术家、伦敦Hollybush Gardens画廊和纽约格林·纳夫塔利画廊提供

“导航图”展览现场图，斯派克岛当代艺术中心，2017。

©卢贝娜·希米德

图片由布里斯托尔斯派克岛当代艺术中心提供

摄影：斯图尔特·惠普斯

看点预测：

2026年的英国馆预计将变成一个“沉浸式剧场”。希米德将通过复杂的布景与声音装置，让历史的创伤转化为一种可以被凝视、被谈论的日常经验。正如她所说：“我不仅是在画历史，我是在画对话。”

卢贝娜·希米德，《时髦的婚姻》，1986，综合材料和声音，尺寸可变

由艺术家、伦敦Hollybush Gardens画廊和纽约格林·纳夫塔利画廊提供

“太多的梦”展览现场图，洛桑州立美术馆，2022。©卢贝娜·希米德

图片由洛桑州立美术馆提供，摄影：MCBA，乔纳斯·亨吉

雅图·巴拉达（Yto Barrada）

法国馆代表艺术家

雅图·巴拉达肖像。摄影：Benoît Peverelli

雅图·巴拉达出生于1971年，是一位拥有摩洛哥血统的法国艺术家。她的创作生涯始于对后殖民历史的关注，但她选择的切口极其微观——植物学与纺织品。

雅图·巴拉达，The Snail, 2009/2011

c-print，150 × 150 cm, Edition of 5 + 2 APs

© Yto Barrada

她曾凭借对摩洛哥本土植物染料和传统编织工艺的研究而闻名。在她的作品中，一块布料的颜色不仅仅是美学，更关乎地缘政治、贸易历史与抵抗。她也是著名艺术机构“丹吉尔电影资料馆”的创始人之一。

“雅图·巴拉达：咬色”展览现场

2024年3月22日至5月11日，佩斯画廊 · 伦敦

图片由佩斯画廊提供

看点预测：

在法国馆，巴拉达可能会带来一个充满温度与色彩的项目。不同于宏大的历史叙事，她将通过染色织物和装置，编织一部关于“纠缠与共生”的微观历史，完美呼应了“小调”主题中对柔性力量的关注。

“雅图·巴拉达：伪造指南”展览现场

2015年6月26日至8月8日，佩斯画廊 · 伦敦

图片由佩斯画廊提供

阿尔玛·艾伦（Alma Allen）

美国馆代表艺术家

阿尔玛·艾伦

阿尔玛·艾伦是美国当代艺术界的一个异数。这位出生于1970年的雕塑家，长期选择“自我流放”，隐居在墨西哥城的沙漠边缘。不同于当下流行的观念艺术或身份政治，艾伦是一位极度迷恋手工感与物质性的艺术家。

他擅长使用木材、青铜和石材，打磨出那些形似外星生物、史前图腾或变异器官的流线型雕塑。在被选为美国馆代表之前，他的名字并不常出现在主流双年展的名单中，而更多是在画廊的收藏名单里。

埃尔玛·艾伦2024年于纽约 Kasmin 画廊个展现场

图片来源：Kasmin 画廊

看点预测：

策展人Jeffrey Uslip评价他的作品具有“前语言的疗愈力”。在2026年的美国馆，艾伦将构建一个“神秘主义的洞穴”。这种对形式美学的极致回归，或许暗示着美国艺术界在经历了多年的政治喧嚣后，试图通过“回到工作室”来寻找一种最原始的感官庇护。

埃尔玛·艾伦2024年于纽约 Kasmin 画廊个展现场

图片来源：Kasmin 画廊

埃尔玛·艾伦，Not Yet Titled, 2024

铜，138.4 x 100.3 x 94 cm

图片来源：Kasmin 画廊

萨拉·弗洛雷斯（Sara Flores）

秘鲁馆代表艺术家

萨拉·弗洛雷斯

Photo: Helena De Bragança

图片来源：白立方画廊

萨拉·弗洛雷斯是近年来蓝筹画廊如白立方极力推崇的土著艺术家之一，她出生于1950年，来自秘鲁亚马逊地区的Shipibo-Conibo部落。

弗洛雷斯的艺术核心是Kené——一种象征着宇宙能量流动的古老几何图案。她使用从雨林中提取的天然植物染料，在手工纺织的棉布上手绘出令人眩晕的迷宫般线条。这不仅是视觉艺术，更是萨满仪式的一种视觉化呈现，被认为具有治愈和连接精神世界的功能。

萨拉·弗洛雷斯，Untitled (Shao Maya Pei Kené, 2025)，2025

植物染料、野生棉帆布，217.4 × 149 cm

© the artist. Photo © White Cube (Theo Christelis)

萨拉·弗洛雷斯，Untitled (Shao Pei Maya Kené, 2024)，2024

植物染料、野生棉帆布，149.5 x 125.8 cm

© the artist. Photo © White Cube (Theo Christelis)

看点预测：

秘鲁馆将展出主题为“来自他方世界”（De otros mundos）的项目。在充满工业气息的军械库中，弗洛雷斯的手工织物将创造出一个精神性的场域，让观众在复杂的几何迷宫中体验来自亚马逊的古老律动。

《萨拉·弗洛雷斯自述》，2025年

单频录像，彩色，有声，5分21秒

洛伦蒂娜·霍尔辛格

（Florentina Holzinger）

奥地利馆代表艺术家

弗洛伦蒂娜·霍尔辛格

Photo : Alessandro Levati/Getty Images

如果说其他艺术家是“低吟”，那么弗洛伦蒂娜·霍尔辛格就是“尖叫”。这位当下欧洲最炙手可热的编舞家和表演艺术家，以挑战观众生理极限的舞台作品著称。

弗洛伦蒂娜·霍尔辛格，SANCTA

《圣苏珊娜》作品21号 © 由美茵茨 Schott Musik 授权使用
《Blow, Gabriel, blow》; 词曲：Porter, Cole © WC Music Corp. 由 Neue Welt Musikverlag GmbH 授权使用，编舞：Sophie Duncan

图片来源：neonlobster

弗洛伦蒂娜·霍尔辛格出生于1986年，她的作品融合了特技、武术、血腥美学与裸体表演，充满了狂野的能量和对身体极限的探索。2024年她的歌剧作品《圣洁》曾因尺度过大引发巨大争议，但也让她收获了无数狂热粉丝。

弗洛伦蒂娜·霍尔辛格，SANCTA

《圣苏珊娜》作品21号 © 由美茵茨 Schott Musik 授权使用
《Blow, Gabriel, blow》; 词曲：Porter, Cole © WC Music Corp. 由 Neue Welt Musikverlag GmbH 授权使用，编舞：Sophie Duncan

图片来源：neonlobster

看点预测：

奥地利馆的主题是 “威尼斯海洋世界”（Seaworld Venice）。也许，弗洛伦蒂娜·霍尔辛格将把国家馆变成一个融合了水、机械与身体表演的超现实景观。这不仅是对身体的颂歌，也是对“奇观社会”的一种暴力解构。

弗洛伦蒂娜·霍尔辛格，Étude

图片来源：neonlobster

萧崇（Sung Tieu）&

亨里克·瑙曼

（Henrike Naumann）

德国馆代表艺术家

Henrike Naumann、Sung Tieu，和策展人Kathleen Reinhardt

德国馆今年打出了一张极具深度的“双人牌”。38岁的萧崇（Sung Tieu）与 41岁的亨里克·瑙曼（Henrike Naumann），这两位生活在柏林的女性艺术家，将共同解构“设计如何塑造意识形态”。

亨里克·瑙曼以“家具考古学”闻名，她收集德国统一前后的廉价家具和家居装饰，以此探讨社会裂缝与极右翼激进化是如何在客厅的沙发和地毯中滋生的。

亨里克·瑙曼，《非自由的生活》（Illiberal Lives），2023
亚琛路德维希论坛（Ludwig Forum Aachen）

亨里克·瑙曼，《再教育》（Re-Education）
2022年9月22日 – 2023年2月27日
纽约雕塑中心（SculptureCenter, New York）

萧崇则从冷战遗产与官僚系统切入，用极简的栅栏、表格和声音频率，揭示行政权力对个体的无形规训。

萧崇，《爱的另一面是无言的遗憾（一）》（The Other Side of Love is Unsaid Regret (One)），2024
铝板丝网印刷，200 × 100 cm
致谢艺术家及Sfeir-Semler画廊

萧崇，《柏林斯特恩无线电国营厂之歌》（Song for VEB Stern-Radio Berlin），2021
30分钟立体声（循环播放），9台柏林斯特恩无线电国营厂生产的收音机
致谢艺术家及Sfeir-Semler画廊

看点预测：

策展人Kathleen Reinhardt称她们将从年轻一代的视角重构历史责任。预计德国馆将呈现一种“从客厅到审讯室”的完整光谱：一边是看似温馨却暗藏危机的家庭内部设计，另一边是冷峻压抑的公共行政空间。这将是一场关于“物、空间与政治操控”的精准剖析。

王良吟（Amanda Heng）

新加坡馆代表艺术家

Amanda Heng.

Photo : Courtesy Singapore Art Museum

现年75岁的Amanda Heng（中文名：王良吟），被誉为新加坡乃至东南亚的“行为艺术教母”。她是1988年新加坡首个艺术家运营实验空间——“艺术家村”的联合创办人。

与许多追求宏大叙事的艺术家不同，王良吟的作品始终聚焦于最微小的单位——身体。她最著名的系列《Let's Walk》，便是邀请普通人用行走的方式丈量城市，探讨女性身体、衰老以及社会记忆。

王良吟，Let's Walk，1999
福冈亚洲美术馆（Fukuoka Asian Art Museum）

王良吟，Let's Walk，1999
M1新加坡艺穗节（M1 Singapore Fringe Festival）

看点预测：

在一个老龄化日益严重的全球语境下，王良吟关于“身体衰退”与“精神坚韧”的探讨，超越了地域，具有极强的普世悲悯。

崔高恩 (Choi Goen)& 

卢惠莉 (Hyeree Ro)

韩国馆代表艺术家

左起：策展人崔斌娜（Binna Choi）、崔高恩和卢惠莉

Photo : Courtesy Donghwan Kam, artist at SeMA Nanji Residency

韩国馆今年大胆启用了两位80后女性艺术家，她们代表了韩国当代艺术中“系统反思”的一代。

崔高恩擅长关注那些被城市代谢系统遗弃的物品，如旧水管、散热器，通过重组赋予其新的美学；而卢惠莉则更关注材料的脆弱性与不稳定性。

崔高恩《奖杯》（Trophy），2022年
展出于首尔Amado艺术空间（Amado Art Space）的崔高恩个展“Cornering”

Photo: CJY ART STUDIO; courtesy the artist

卢惠莉《Niro》，2024年
材质：木材、铝、黄铜、陶土、岩石、钢、磁铁、亚克力、树脂、锡镴、PVC软管、纸浆、皮革、纸，180 × 437 × 152 cm

图片来源于卢惠莉网站

看点预测：

她们将把韩国馆改造成一个巨大的动力装置，主题为“解放空间：堡垒与巢穴”。机械装置的不断运作隐喻了现代人在动荡世界中寻求安全感时的挣扎。这将是本届双年展最具“焦虑感”与“张力”的现场之一。

荒川医（Ei Arakawa-Nash）

日本馆代表艺术家

Ei Arakawa-Nash和他的双胞胎孩子

Photo : Ricardo Nagaoka/Courtesy of the Japan Foundation

荒川医是一位让策展人“头疼”但也让观众“兴奋”的艺术家。他以即兴行为表演和“不稳定的装置”著称，常驻纽约。

他的作品往往打破了“成品”与“过程”的界限。对于荒川医来说，艺术不是挂在墙上的死物，而是“社群发生关系的瞬间”。

荒川医，Don't Give Up, Overduin& Co, 洛杉矶, 2022年，装置现场

荒川医，See Weeds，2011年
图卢兹现当代艺术博物馆（Musée d’art moderne et contemporain, Toulouse）

看点预测：

日本馆的主题为 “Grass Babies, Moon Babies”。预计这将是全场最混乱、最像爵士乐的展馆。荒川医将带来关于酷儿身份与非血缘亲属关系的探讨，现场大概率会有即兴的歌舞与身体碰撞——这正是对“小调”主题中“即兴变奏”的最佳回应。

文章来源：99艺术