李子麟「雨露麻」展览现场

BLANKgallery，上海

当走进 BLANKgallery 的展览空间，李子麟笔下的雨露麻画布首先抛出一个命题：当一种材料本身承载着时间的密码，绘画将如何与之对话？这种诞生于法国草场的特殊织物，需经二至八周的夜露浸润、日光曝晒与微生物分解，木质部分腐烂剥离后，才留下柔韧光洁的纤维本体。“自然提纯”的天然工序，早已为图像注入了时间的基因 —— 正如画面所揭示的， 在时空洞穴中关于“持久”最为朴素的注解。

艺术家敏锐地捕捉到这种材料的宿命性。对他而言，画布便是承载“似水流年”的草场，而王小波“唯有时间真正归己”的慨叹，正是其创作的精神锚点。当颜料、色粉与媒介剂在雨露麻表面晕染时，材料不再是被动的载体：画布的细微纹理会吸附色粉形成自然晕边，纤维的吸水性则让色彩呈现出呼吸般的渐变，这种“不完美”恰恰复刻了雨露浸渍中菌群啮食果胶的自然痕迹。在这里，雨露麻完成了从“工艺产物”到“时间容器”的蜕变，其双重生命构成了展览最核心的隐喻。

李子麟《爱在黄昏日落时》，2025

雨露麻、油画颜料

160 × 200 × 5 cm

李子麟《岸上的人、水中的人》，2023

透明底材画布上丙烯媒介

160 × 200 × 4.8 cm

如果说雨露麻是展览底色的“骨骼”，那么李子麟的平涂技法便是其“血与肉”。他摒弃了传统绘画严密的透视与光影，以反复叠加的单色涂层在画布上凝结出厚重的“色痂”—— 这种创作手法直接呼应了他对生命修复的思考：“痂既能隔离伤害，又会留下疤痕，恰如时间在个体身上的印记”。反观画作《过去和现在》（2024）中反复涂抹的大面积红色凝结成为了画面上不可或缺的表壳；而《传球》（2024）上，草地的青绿并非对物象的复刻，而是情绪在时间中沉淀的物质化呈现，每一层平涂都如同记忆的叠加，最终形成可触摸的“时间切片”。

李子麟《过去和现在》，2024

透明底材画布上油画媒介

200 × 160 × 4.8 cm

李子麟《传球》，2024

石膏底材雨露麻上油画媒介

100 × 90 × 4 cm

这种技法选择暗藏着跨时空的艺术对话。艺术家坦言弗朗西斯・培根的平涂美学给予他启发，认为单色能抵达“时间的永恒性”，而作品中色粉肌理与书法笔触的交织，又暗合了中国传统艺术“以线载气”的智慧。在那件《愿力与你同在》（2024）的巨幅作品中，大小不一的七种视角如同在不同时空洞穴的穿越中窥视着图像的牵引，拉长与压缩的画面合奏出了万物法则中的暴力与平衡，让我们被这些冥冥之中物质与生命的消亡和存在感动及战栗。

李子麟《愿力与你同在》，2024

石膏底材雨露麻上油画媒介

400 × 240 × 5 cm

在作品中最动人的突破，在于李子麟将宏大的世界命题，拆解为一个个可感知的记忆瞬间：竞赛的过程、守门员与博弈的人、沙发上的降生之毯、森林中的火光、海钓与摔跤赛场、穿过雪原的羊群、自转瞬即逝的湖光——这些碎片化的意象被“腌渍”在雨露麻与颜料的复合体中，脱离了具体的叙事语境，却更接近记忆的本真形态。

李子麟《无题》，2022

黄麻画布上丙烯媒介

150 × 300 × 4 cm

李子麟《与时间比试的月薪》，2025

黄麻画布、油画颜料

160 × 200 × 5 cm

当观众凝视画布上的“色痂”，看到的不仅是色彩的堆叠，更是个体经验在时间中分解、提纯的过程：那些被遗忘的细节如同亚麻纤维般逐渐显露，而伤痛与欢愉则沉淀为表层的斑驳肌理，提醒着观看者被凝视。

这种“世界切片”的创作观，赋予作品在时空洞穴里更多维的纵深。在快节奏的消费社会中，李子麟用雨露麻来比喻缓慢工艺与涂抹的反复劳作，对抗着信息时代的瞬时性与碎片化。他笔下的每一块“色痂”都是一次深沉的反思 —— 反思记忆的消逝，反思生命的轻薄，反思人生对“意义”的过度阐释。正如展览前言所指出的，这些作品“不再是解释世界的工具，而是成为世界的一块切片”。这些切片经过时间的捶打，既有画家落笔时的心跳，更有每个观者与记忆重逢时的震颤。最终凝结成“坚韧的麻”，既保留了自然世界的宝贵馈赠，又镌刻了时空洞穴中的浸渍。

李子麟《格物致知》，2025

黄麻画布、油画颜料

200 × 160 × 5 cm

文章来源： 半径Radius