“微光与刻痕”是一场关于坚韧、信念与成长的实验，是一个在宏大宇宙中如何确立自我存在的命题。“微光”不是恒定的规律，而是成长中的光束与理想。人之所以是今天的模样，在于成长的阵痛与选择所铸就，正如叠加的“刻痕”。造型艺术学院2026届毕业生，以丰沛的创造力和灵巧的思辨力，为我们呈现出这场实验的视觉报告。

展览中，油画系的作品强调技法传承、语言探索与观念同构，以笔触追逐、定格心灵的“微光”，留下视觉的印记。版画系的作品，则大胆突破传统界定，在泛媒介化的多样实验中驰骋。他们将印版上的刻痕转化为一种行动的哲学，在复数与偶然中探寻艺术表达的可能。水彩画系的作品一部分聚焦于西部独特的城市文化图景，深耕现实结构与时代景观，一部分以水色交融的敏感，描绘日常生活的光芒。雕塑系的作品则观照现实，突破技法和媒介表象，回归艺术本体，积极拥抱新媒介与新技术所迸发的动能。

从技法锤炼到观念创新，从物质探索到精神表达，每一件作品都是青春与艺术的碰撞，是传承与突破的交融。此次展览，不仅是造型学子们的学业总结，更是艺术历程的新起点。愿以造型为魂，作品为媒，展现青年艺术家的赤诚与锋芒，续写造型艺术学院生生不息的艺术理想。

盘雨轩

作品以“穿戴”为核心，将身体作为社会评价与心理经验的承载场域，使穿戴物成为身份与压力的可视化延伸。《相面》展现外貌规训与社会凝视；《亲密耦合》呈现亲密关系中的依附与控制；《制服》以绣满荣誉与履历的大号西装和衬衫，戏谑社会对“成熟”与“成功”的标准化期待；《犹在框中》则通过层层框架，将评价体系转化为规训个体的空间隐喻。作品试图在身体与物之间建立动态关系，使“穿戴”成为社会身份与自我认知博弈的过程。

李晨源

本次毕业创作共三件具象雕塑作品，分别为《行在澄明》、《逐浪》与《轻衾》，是我对梅洛-庞蒂“身体主体”理论的一次实践回应。三件作品分别呈现身体在雪地独行、海边嬉戏、紧抱棉被三种情境中的存在状态，着重刻画身体与环境的互动关系。

邓媛

蛙在壮族民俗中象征雷雨与生命，承载着先民敬畏自然、祈佑丰收的美好愿景。作品以蛙图腾为核心意象，寄托祈福纳吉之意，期许四时有序、风调雨顺，五谷丰登。

张顺强

泳圈堆成岸上的锚，越安全越无法入水；西装裹住躺卧的身体，越体面越不敢入眠。“之间”并不是一个明确的位置，而是一种难以抵达结果的中间状态。它既指向行动与结果之间的空隙，也指向安全与束缚、休息与待命、清醒与疲惫之间的矛盾关系。

张静博

《无因》系列作品源于对日常生活与自身情绪体验的观察与思考。在长期与猫相处的过程中，作者注意到猫在封闭居家环境中常呈现出慵懒、迟缓与神游般的状态，这种无具体缘由却难以行动的精神感受，与当下人在高压与重复生活中的心理处境形成了某种对应。作品以猫的形象作为切入点，通过重复、堆叠、旋转与压缩等方式组织形体结构，并结合木材温和的材料特性与层叠纹理，强化作品的生长感与下沉感。《无因》系列不仅是对重复形式的实践探索，也是对当下人们精神状态的视觉化表达。

杨佩璇

作品通过木与不同材料的结合表现，以材料关系表达个人对生活的所思所想所感，将材料关系转化为对自身状态与现实处境的思考。试图通过结构的链接与材料的碰撞，呈现个体在当代环境中的适应，变化，与存在状态。

徐川鸿

以作者的亲情、爱情、事业、友情、欲望、众生这六部分的现实场景构成，并对这些现实发挥想象作想象场景，通过现实与关于现实的想象表达对六个部分的情感理解。

席玥

“谢幕”一词，既是作品名称，也是我对于自己这8年学业生涯最真诚的道别。我的创作初衷很简单：不取悦谁，也没有什么宏大叙事，只想把自己当下的感受，用我喜欢的形式说出来。一切都从自己的生活经验出发——快毕业了，对学生时代的纯真、 对象牙塔的日子有太多留恋， 对未来又有说不清的期待和迷茫。于是就有了《谢幕》。

陈盅含

作品立足羊磴在地共创，融合乡土奇趣美学与庄周梦蝶哲思，结合乡愁馆馆长王进的人生经历，回应乡土文化现代化困境。

以农具、稻壳等原生材质留存农耕记忆，搭配纸浆茧、蝶穗打造超现实造型，虚实相融意境悠远。纸浆包裹老物件，如同现代空间嵌套乡愁馆屋中屋，这里既是承载故土情怀的方寸天地，也是创作者疗愈自我、完成蜕变的精神港湾。作品试图以艺术消解传统与现代的隔阂，守护乡土根脉，实现个体救赎与乡土文化当代转化。

刘思佳

以自身情绪为切入点，将抑郁状态转化为纸浆雕塑。纸浆湿润时柔软，干燥后坚硬——柔软是情绪的脆弱，坚硬是自我的坚强。

六个“我”对应三个阶段：爆发（呜哇呜哇、被包围了）、压抑麻木（猫头鹰小丑、霉菌精灵）、治愈和解（花溢、被星星拥抱的乌云）。

生病期间无法出门，“躲猫猫”就是躲和藏。我是那个躲起来的孩子，大家都在找我。底座为杯子，杯子可以承接坏情绪，然后倒掉重来，直至摆脱。

张婷坤

本项目为AIGC雕塑美育实践项目，扎根贵州羊磴中学，融合人工智能与乡土艺术，赋能乡村少年逐梦成长。通过AI绘造职业理想图景、拍摄成长人像、创作陶塑自塑像，定格少年心愿与青春志向。项目发起十年成长之约，封存成长信物与故事档案，利用老旧校园教具打造沉浸式乡村教室实景展陈。以科技联结乡土记忆，用艺术承载少年梦想，让乡土文脉与青春理想共生延续。

李索

毕业设计《日常场》以梦核美学为基底，借反差材质与交互影像，探讨科技凝视下儿童网络隐私与安全问题，具象呈现网络对成长的无形干预。装置以童年地垫与基站元素造空间，通过部署并集成本地AI库，计算机视觉识别手势，结合物理计算触发TouchDesigner实时影像等交互，以梦核氛围沉浸式呈现议题。

李云飞

作品取材于笔者与家人共同生活的老家，选取同一面外墙上并排的三扇窗——厨房、卧室与书房以及家里室内的场景。三层结构将观看转化为带有距离感的窥视，窗内以浮雕呈现家庭日常的温暖片段。三扇窗从左至右构成时间线索，在展厅中唤起关于“家”的集体记忆。当晨光般的暖灯亮起，每一个平凡的日子便在这一方窗景中重新开始。

赵子君

缘起于对“休息”这一日常行为本身的思考，对当下注意力不断被切割、浮躁这一现实的感受，人们想休息从未“真正”休息过。以“公园二十分钟效应”为起点，我连续72天在不同时段进入公园静坐20分钟，仅保留呼吸与观看，并以影像记录。最终72段视频构成完整24小时，被置入72部手机与支架组成的“手机椅”中，与真实公园椅相对而置。作品试图讨论人在电子媒介中寻求放松，却不断被信息流消耗的现实，并提供一次“静下来”的观看体验。

左宝心

以“问天”这一母题为核心，提取本土纹样，如鸟纹、蛙纹、云纹、星宿纹等，实现传统元素与抽象语言的有机融合，包含古人对天的探索和对宇宙运行的思考，将古人问天的神秘场景再现，从中揭示中国抽象雕塑的本土形式表现特征。

章飚

作品《循光荷生》以荷为意象、以光影为脉络，融合传统壁画肌理与抽象视觉语言展开创作。作品借荷的生长意蕴隐喻生命循环，通过层次质感、流动色调与虚实光影交织共生，摒弃具象写实表达，侧重意境营造与情绪沉淀。结合静态画面与光影投射效果，诠释循光而生、向静而生的东方哲思，兼具公共艺术的氛围感与人文内涵。

莫丹洋

作品以蜡为材料，塑造了一组呈行进队列的鱼群。每条鱼的躯体上生长出形态不一的腿脚有的纤细脆弱，有的尚未成型，共同指向“水生向陆生演化”的过渡状态。作品以温润细腻的蜡为基底，表面以彩蜡着色，形成斑驳肌理与色彩叠加的层次，为这一荒诞的场景赋予了独特的视觉质感与微妙的异质氛围。

刘慧玲

作品以女性形象作为系列作品的核心主体，通过同一人物形象展开系统性创作。在造型语言上将融合石窟造像中富有表现力的线性特征，塑造具备传统韵味与当代感受的形体形象。在色彩运用上，则延续鲜明饱满的风格，强化视觉张力。在场域建构方面，作品延续了场景化的叙事传统，但在空间呈现上转为以抽象的线性结构为基底。人物或倚或卧，或坐思，悠然地存在于线条架构的韵律之中，整体营造出一种超脱于具体场景的自由与静谧氛围。

刘如钦

以公共空间石窟纹样拓印为起点，通过石塑粘土翻模与纸浆材料转译，重构石窟残片肌理。作品以拼嵌形式呈现石窟结构与历史的断裂感，借光影穿透纸浆纤维肌理，营造出时间沉淀与文化再生的氛围，完成古老石刻语言的当代转译与空间叙事。

李欢

作品灵感源于儿时游乐园的知觉记忆。旋转木马贯穿我不同人生阶段：幼时在父亲怀抱的安稳新奇，少年与同伴嬉戏的纯粹快乐，青春期的浪漫幻想，都交织于它的旋转轨迹。成年后，木马从欢乐循环的童年意象，沦为困在原地、循环无意义的隐喻，绕轴空转却从不抵达，恰如我求学、备考与生活中重复的困境。越了解世界复杂规则，越感到异化与无力。这种习得性疲惫与认知觉醒后的失望，成了创作的情感基底。

皮成朋

一席年夜饭，既是烟火栖居的方寸天地，亦是心灵归栖的精神原乡，藏着最深的安稳与眷恋。当团圆的形式与内涵悄然迭代，该以何种方式，留存住烟火人间里，关于年夜饭的细碎故事与温热。

我以素白盘为载体，通过小红书发起「年夜饭故事征集」活动，并以邮寄盘子的方式参与，有人落笔佳肴，有人念及故人，有人记录热闹，亦有人书写遗憾。天南海北的细碎心绪，在此汇聚成一桌故事的年夜饭，眼前每一只瓷盘，都镌刻着一段真实鲜活的记忆。